EL 8M EN LA MÚSICA

Año tras año las mujeres luchamos persistentemente en busca de la libertad, el respeto y la igualdad. La pandemia hoy nos impide teñir e inundar las calles de morado, pero, y sirviendo de precedente, la música ensalza nuestra lucha. Una lucha que nos pertenece y que debemos liderar.

El feminismo es parte de nuestras vidas. La igualdad es a día de hoy algo que no podemos disfrutar. Por ello, y a pesar de no poder gritarlo a pleno pulmón por las calles, os quería traer mi versión 2.0 del 8M. Una versión musical en la que las mujeres artistas reivindican todos esos derechos que nunca hemos tenido pero que siempre nos han pertenecido.

La música es una tremenda vía de escape y una manera excelente de propaganda y revolución. La lucha feminista está en nuestras manos. Todas debemos ser participes.

Esta playlist es un granito de mi lucha diaria en busca de un mundo en el que las mujeres podamos ser eso, mujeres. Un mundo en el que poder salir a la calle sin miedo. Un mundo en el que podamos ejercer cargos que siguen siendo "de hombres". Un mundo en el que una mujer no tenga que ser catalogada y calificada simplemente por su aspecto o por su vestimenta. Un mundo en el que la mujer sea respetada. En resumen, un mundo libre y sin distinciones de géneros. Porque, permíteme que te recuerde, antes de los géneros, somos personas.

"Hoy grito porque ya no hay maquillaje que pueda ocultar las heridas que en mi cuerpo ha dejado el patriarcado. Grito porque estoy harta de que todos miren para el costado, excepto cuando se trata de opinar sobre mis decisiones. Grito porque me levanto cada día con un agujero en el pecho, sabiendo que voy a tener que luchar con la violencia y la desigualdad. Grito porque no nos merecemos este mundo. Grito porque nos hieren a cada segundo"

1. La Puerta Violeta - Rozalen

2. Boys Will Be Boys - Dua Lipa

3. Woman's World - Little Mix

4. So What - P!nk

5. Ella - Bebe

6. Mother's Daughter - Miley Cyrus

7. If I Were a Boy - Beyonce

8. god is a woman - Ariana Grande

9. Rebel Girl - Bikini Kill

10. A ningun hombre - Rosalía (Cap.11: Poder)

11. 8M - Sara Socas

12. Independet Women, Pt. 1 - Destiny's Child

13. Survivor - Destiny's Child

14. So I Am - Ava Max

15. Most Girls - Hailee Steinfeld

16. Who's laughing now - Ava Max

17. Look What You Made Me Do - Taylor Swift

18. Fuck You - Lily Allen

19. Strong Enough - Cher

"No, calladita no estás más guapa. Tú eres preciosa cuando luchas, cuando peleas por lo tuyo, cuando no te callas y tus palabras muerden, cuando abres la boca y todo arde a tu alrededor. No, calladita no estás más guapa, sino que un poco más muerta, y si algo sé sobre ti es que no he visto a nadie, jamás, con tantas ganas de vivir. Gritando."

¿A cuantas más tienen que matar para que nos dejen de llamar exageradas?

Feliz día y vida de la mujer. Ni una más. Estamos juntas en esto.

Feliz 8M.

'drivers license' la canción de Olivia Rodrigo que ha superado todos los récords

Olivia Rodrigo, actriz y cantante americana. El pasado 8 de enero Olivia publicó su primer sencillo debut, 'drivers license'. Una canción con mucha historia y con la que medio mundo se ha sentido identificado. 'drivers license' se ha convertido en un himno para el desamor.

Sin duda la que fuera la protagonista de la nueva versión de High School Musical ha sabido como entrar a fondo en la industria musical. Olivia Rodrigo es una de las artistas más jóvenes en conseguir tal número de récords en las listas de éxitos. La canción ha sido la primera en conseguir el récord de reproducciones en un día en toda la historia de Spotify USA: número 1 con 6.145 millones de reproducciones -superando a Drake-.

'drivers license' es la canción que más rápido ha sobrepasado los 100 millones de escuchas en la historia de Spotify.

Recordamos que Olivia tan solo tiene 17 años y su primer single ha sido la primera canción en la historia en permanecer la número uno de las listas durante varios días con más de 5 millones de escuchas. Siendo también la canción más escuchada en el mundo. Además, y como colofón final, la lista Billboard -la más importante de la industria- ha publicado la entrada de 'drivers license' con el puesto número 1 en The Hot 100, y por si no fuera poco dentro de Billboard también con el número 1 en las siguientes listas: Digital Song Sales, Streaming Songs, Canadian Hot 100, Global 200 y Global 200 Excl. Us

La canción como digo habla de un desamor. Una historia que vivió la cantante cuando grababa High School Musical: el musical. Un amor entre compañeros de reparto. Joshua Bassett, co-protagonista de la serie, es el chico del que Olivia habla en su canción. La ruptura fue un golpe bastante duro para la joven, y así lo narra en la canción, pero aunque la letra te desgarra el corazón cuando la escuchas, es una autentica revelación, e incluso me atrevería a decir que es una obra de arte.

No hay mejor manera para describir su estilo musical que tan solo diciendo un nombre: Taylor Swift. Olivia ha reconocido abiertamente que su principal influencia e inspiración a la hora de componer siempre ha sido Taylor Swift, y es que además, la joven es una gran fan de Taylor. A nivel composición podemos apreciar a la perfección esta influencia durante toda la canción, los términos y la colocación de los mismos reflejan el más puro estilo de Taylor. Pero sin ninguna duda, donde más podemos escuchar la esencia de la proclamada como 'Artista de la década' es en el puente. ¿Casualidad? No lo creo. Las dos artistas depositan su punto fuerte narrativo en el puente, esa zona de 'climax', de la más pura sensibilidad y sinceridad. Un autentico corazón abierto.

Sin duda Olivia Rodrigo ha llegado para quedarse a la industria, y su figura, no solo como cantante, también como compositora, marcará un antes y un después en la cultura pop.

Sincera, íntima y desgarradora. Así definiría yo la canción del momento. Una autentica obra de arte que derrocha talento no solo a nivel compositivo, también a nivel vocal y artístico. La joven nos ha llegado a todos al corazón con su historia. Una historia que resulta muy fácil de comprender y sentirse identificado. Todos hemos pasado alguna vez por esa situación.

Desde aquí solo me queda desearle toda la suerte del mundo a Olivia en su prometedora carrera musical. Una autentica revelación que estoy segura que seguirá regalándonos grandes canciones como esta.

Si aun no has escuchado 'drivers license' (debes ser la única persona de este planeta) ve corriendo a escucharla, no te arrepentirás.

ANÁLISIS DE 'EVERMORE' DE TAYLOR SWIFT

Taylor Swift ha publicado Evermore, su segundo álbum sorpresa en uno de los peores años,

2020. 15 nuevas canciones y 2 bonus tracks: "right where you left me" y "it's time to go".

Pese a ser un disco nuevo, su noveno a lo largo de toda su carrera, Evermore. La cantante nos tiene acostumbrados a la idea de: nuevo disco = nueva era. Pero si echamos la vista atrás, no siempre ha sido así, sus tres primeros discos se podrían englobar en la misma era: la conocida ya como la "Old Taylor". Pues con Evermore y Folklore pasa lo mismo, son dos discos diferentes pero van de la mano, y eso se nota en varios aspectos. De hecho, ella misma dice que son "discos hermanos" y pese a no tener categoría de era, es un álbum diferenciado.

Literalmente Taylor Swift es la persona más pluriempleada de este mundo.

Evermore respeta mucho tanto el estilo musical y vocal, como la estética de Folklore, pero si que nos lleva un poco más allá, un paso más. Abre la puerta de la narrativa creativa y da pie a la imaginación y el subconsciente con este último trabajo. Es cierto que Folklore fue una autentica revelación, no solo en el mundo e industria musical, pero lo que engloba y recoge Evermore es mucho más, las letras son mucho más imaginativas, más conceptualístas y fantasiosas. Además, algo que no se puede pasar por alto es el hecho de que ambos discos están producidos y compuestos por las mismas personas: Jack Antonoff y Aaron Dessner (junto con Taylor Swift).

Evermore ha llegado como silueta y estructura de la vida imaginativa que Taylor Swift crea en su cabeza, y es que la cantante siempre componía contando sus propias experiencias personales (muy propio de su género creador: el country), y tanto escuchar Folklore como Evermore transporta a otro mundo totalmente diferenciado de la cantante, un giro de 180º.

WILLOW

El disco comienza con Willow, el primer single. Como he dicho antes, Evermore y Folklore son como hermanas, pero si comparamos, por ejemplo, cardigan con willow vamos que a pesar de tener ese "aura" melódico muy parecido, en folklore los tonos eran mucho más bajos, incluso oscuros. Por su parte, Evermore, y en concreto willow, siguen con esa ambientalidad instrumental creada a partir de los tres instrumentos base: guitarra, piano y batería. Pero elevan medio tono la instrumental, dando un poco más de luz a la canción. Es como si quisiera dotarla de ese positivismo del que carecía Folklore.

Un riff de guitarra y la mezcla de voces de Taylor son los elementos fundamentales para la elaboración de esta melodía. La producción se basa en la selección y utilización de elementos, y la voz de Taylor está considerada como uno más, como si se tratase de un instrumento que se suma y forma parte del todo, no está por encima del resto. Esto hace que suene tan conjuntado, unificado y preciso.

Otro de los elementos que encontramos, y que Taylor lleva usando desde Folklore, es la auto-armonía, ella es su propia armonía. Este recurso se utiliza para la profundidad tanto lírica como musical, y en Willow está muy bien estructurado.

Tanto por la gestión vocal de Taylor como por la utilización de instrumentos y la composición en general, esta canción suena como un hit-pop de finales de los 90s, sinceramente creo que la mayor inspiración aquí se da en la tonalidad vocal con la que canta. Suena como si estuviera cargada de luz. De hecho, esto se confirma con un verso en el puente: 'But I come back stronger than a '90s trend' (vuelvo más fuerte que una tendencia de los 90). Sobre todo el estribillo tiene una cantidad enorme de inspiraciones de los años 90. Una canción que sin duda se merece la categoría de primer single.

The more that you say, the less I know wherever you stray, I follow I'm begging for you to take my hand

CHAMPAGNE PROBLEMS

El titulo de la canción es una expresión que viene a decir "problemas de ricos" (problemas intranscendentes, fríos...). La canción habla de una "pedida de mano" muy triste. Una persona que mentalmente se está preparando para una pedida.

Desde que salió Evermore busco constantemente conexiones entre ambos álbumes, y en este caso, Champagne Problems está conectada al 100% con Invisible String: mismos acordes de guitarra, versos estructuralmente muy parecidos... La producción es exquisita al igual que en Invisible String. Ambas dejan un gran momento de ambientalidad que se va construyendo poco a poco y que termina en una gran explosión de sentimiento.

La canción está escrita por Taylor Swift y William Bowery, o lo que es lo mismo, Joe Alwyn, el novio de Taylor Swift.

Por otro lado, y recuperando el tema sobre la diferencia establecida entre Folklore y Evermore, en esta canción también podemos ver esa transición de "frío a calor", con mucho más ritmo y melódicamente más elevado. Pero escuchar su voz de la manera en la que lo escuchamos en esta canción es una experiencia totalmente distinta a la que estábamos acostumbrados. Sigue empleando este doble-vocal de armonías pero, además, también introduce el puente con una armonía a una voz que, literalmente, suena como si lo estuvieran cantando los ángeles, y estas voces mezcladas con los riff de guitarra de fondo crean una autentica maravilla cuando lo escuchas con auriculares. Un sonido muy envolvente, es como si estuvieran justo detrás de ti.

Esta canción es especial, suena extremadamente bien, tiene una instrumental preciosa y una utilización vocal muy precisa. Crean una ambientalidad que, como digo, es casi angelical, y la narrativa es propia de una canción de Taylor Swift.

Your Midas touch on the Chevy door november flush and your flannel cure "This dorm was once a madhouse"

GOLD RUSH

Y hablando de cantos angelicales, Gold Rush comienza con unos coros y armonías casi celestiales, una combinación a dos voces de la propia Taylor que hace que se te ponga la piel de gallina.

Esta canción se sale mucho de la dinámica "experimental" que Taylor estaba probando. No podríamos decir que es pop pero tiene un beat muy diferente, e incluso podríamos decir que tiene ritmo, así, en general. Cosa que se estaba desvaneciendo en los últimos trabajos de la cantante.

El cambio de ritmo entre los primeros versos y el resto es una ruptura total de la estructura y melodía que para nada esperas. Una ruptura de beat acompasado.

La canción habla sobre una persona enamorada de otra y los celos que le produce que todo el mundo quiera a esta. Es un poco rollo Gorgeous (canción de Reputation). El enamoramiento la lleva a casi no creer que sea real tanta belleza: "casi caigo presa de tu belleza" ¿Es una ensoñación o deseo, o se vuelve realidad y acaban juntos?

Sigue jugando con las dinámicas narrativas que comenzó en Folklore: creando personajes. Ya no habla tanto de sus propias experiencias personales. Es más: voy a crear historias y personajes que cuenten un poco mi experiencia personal pero ya no estarán basadas al 100% en hechos reales.

Gold Rush suena como una balada de los años 60. La composición es casi agresiva, las pausas están mucho más elevadas que en el resto de canciones, y tiene restos de esa psicodelia de mediados de siglo. Cada respiración contiene el doble de palabras, es como si estuviera hablando, un dialogo que se va construyendo gracias al 'beat' de la batería que va creciendo. Y siguiendo una estructura circular, la canción acaba con los mismos cantos armónicos con los que empieza.

Como digo, pese a que esta canción suena diferente al resto, tanto en Folklore como en Evermore, sigue la narrativa instrumental: instrumentales experimentales.

What must it be like to grow up that beautiful? with your hair falling into place like dominoes my mind turns your life into folklore I can't dare to dream about you anymore

'TIS THE DAMN SEASON

Esta canción podría ser la hermana de August (Folklore). La propia Taylor reconoció que Folklore era el disco de primavera y verano, y Evermore el de otoño e invierno. Por lo que podrían estar conectadas, continuar las historias y transmitir las mismas sensaciones.

'Tis the damn season habla sobre una persona que vive en Los Angeles y vuelve a su ciudad natal por las navidades. Allí se encuentra con el amor de su infancia. Cuenta como volver a ver a esta persona le hace recordar momentos juntos, pero al final, es como si todo hubiera tenido sentido. "Ahora se que no estar juntos es lo mejor que nos podía haber pasado" Una conversación consigo misma en la que recuerda todos los momentos y sentimientos pero de una manera mucho más triste de la que lo debería hacer. Ella dejó atrás su casa, sus amigos, y su amor para mudarse a LA y perseguir sus sueños, pero al final, vuelve a casa y se da cuenta que el único corazón que se está rompiendo es el suyo. Pese a ser lo mejor, sigue doliendo.

Una canción de amor tierna pero que termina en un final trágico. Es curioso, Taylor ahora está enamorada pero sus canciones nunca habían sido tan tristes. Con esto vemos la capacidad compositora de la cantante, capaz de extraerse de toda la narrativa y partir con un sentimiento para crear una historia completamente aislada.

La canción tiene, como he mencionado anteriormente, esos aires 90s pop, sobre todo en la parte vocal.

We could call it even you could call me "babe" for the weekend ​'tis the damn season, write this down

TOLERATE IT

Todos los "Track 5" de Taylor Swift tienen fama de ser sus canciones más vulnerables, mucho más íntimas. Esta regla tenía mucho más sentido cuando sus discos eran pop y mezclaba estilos. El Track 5 era, por así decirlo, la canción intensa. (All Too Well, Dear John, Delicate...)

Pero en esta dinámica de discos (Folklore/Evermore) todas las canciones podrían ser el Track 5 de sus otros discos ya que están llenas de sentimiento puro y vulnerabilidad.

Tolerate It habla sobre una persona que no se siente merecedora del amor de su pareja. Ella da mucho y recibe poco.

Recuperando las relaciones entre ambos álbumes, esta canción podría estar relacionada con Peace.

La protagonista de la canción admira a su pareja (used my best colors for your portrait), no es solo "me siento menos que tu" sino que encima te idolatro. No puedo odiarte porque ha llegado el momento en el que todo lo que me hagas en mi cabeza está justificado. Y tu no me amas, me toleras. No hay nada que duela más que un amor no correspondido.

La historia va creciendo y pese a que ella misma reconoce que está locamente enamorada, casi obsesionada, plantea la opción de irse y dejarle. ¿Qué pasaría si me voy? ¿Lo notarias? ¿Me echarías de menos? ¿Crees que no soy capaz? Créeme, puedo irme y dejarte aquí.

Personalmente esta canción para mi es la mejor del disco, y posiblemente de las mejores de Taylor Swift a lo largo de toda su carrera.

El puente, tanto lírica como instrumentalmente, es extremadamente vulnerable, maravilloso, limpio, directo... He de confesar que yo tengo una debilidad con los puentes, me parecen la parte más importante en cuanto a letra de las canciones de Taylor Swift, y como siempre espero al puente para ordenar todo en mi cabeza. En este caso, cuando escuché el de Tolerate It lo supe, iba a ser mi canción favorita, y eso que solo iba por la canción número 5. Es espectacular la manera en la que Taylor Swift puede escribir una historia tan dolorosa y hacerte sufrir, hayas o no vivido una situación así. La capacidad de empatía que rebosan canciones como esta es lo que hace que Taylor Swift sea la mejor compositora de nuestra época.

La canción transmite una sensación de intimidad diferente al resto y se debe a su voz aireada. La manera en la que utiliza y coloca la respiración mientras canta es totalmente diferente al resto. Es casi como si contar la historia le hiciera no poder respirar. Le duele. Esto es otro de los elementos que hacen que esta canción suene tan vulnerable. La empatía de la cantante y la realidad con la que lo hace.

Nada te rompe el corazón tanto y te da tanta honestidad como una canción número 5 de Taylor Swift.

While you were out building other worlds, where was I? Where's that man who'd throw blankets over my barbed wire? I made you my temple, my mural, my sky now I'm begging for footnotes in the story of your life drawing hearts in the byline always taking up too much space or time you assume I'm fine, but what would you do if I

NO BODY, NO CRIME FT HAIM

La canción comienza con sonidos ambientales de ciudad, sirenas y las voces de HAIM repitiendo "he did it" (él lo hizo).

El sonido country es espectacular. Los primeros acordes son muy parecidos a la canción "Should've say no" y eso, propio de Taylor Swift, no es una casualidad. "No body, no crime" es la continuación perfecta a la historia de "Should've say no" donde habla de una persona que le puso los cuernos.

Encontramos varios elementos propios del country como la armónica, la narrativa lineal y la construcción estructural de la propia melodía. Hasta una persona que no esté familiarizada con este género musical se daría cuenta que estamos ante una canción country.

Respecto a la historia, aparece un personaje de manera muy visual: Este (nombre de una de las chicas de HAIM). Cuenta la historia de Este y de como su novio le pone los cuernos. La narrativa es un espectáculo y la manera en la que construye la historia es como si se tratase de una mini película. Esto es propio del country, como he dicho anteriormente, y además, Taylor Swift es capaz de crearte una imagen mental conforme se va desarrollando la historia. La utilización de sonidos ambientales tanto al principio como al final de la canción son fundamentales para esto.

Como pasa con Gold Rush, esta canción tiene mucho más ritmo que el resto, pero no por ello deja de ser una canción oscura y dura.

La capacidad de crear una historia de principio a fin que tiene Taylor Swift, y además, visualizártela en la cabeza es espectacular. Puedes incluso sentirte parte de la canción. El novio de Este le ha puesto los cuernos, Taylor y las hermanas de Este se enteran y van a por él, incluso hablan de matarle y de como se van a encubrir entre ellas. Podríamos decir que estamos ante una canción de empoderamiento femenino llevado hasta el extremo. Los recursos auditivos que se utilizan gracias a las voces de HAIM completan la historia a la perfección.

Good thing my daddy made me get a boating license when I was fifteen and I've cleaned enough houses to know how to cover up a scene good thing Este's sister's gonna swear she was with me (She was with me, dude) good thing his mistress took out a big life insurance policy

HAPPINESS

En esta canción la voz de Taylor está muy poco producida. Folklore y Evermore son discos con bastante producción detrás pese a que la sensación que transmiten es muy íntima, como si fuera únicamente Taylor y una guitarra. En realidad hay muchos arreglos tanto vocales como instrumentales, efectos y sintetizadores... Pero concretamente en esta canción la voz de Taylor se escucha muy limpia, orgánica, como si apenas la hubieran retocado, de hecho a veces se escuchan los matices del quiebro y las respiraciones.

La instrumental es preciosa y simple, muy simple. Lo único que destaca es una batería que aparece en el fondo de vez en cuando y que da la sensación como si se juntaran dos canciones totalmente diferentes.

Respecto a la letra, podríamos decir que es la continuación de la historia que se cuenta en Tolerate It. Hay un sentimiento de continuidad con esa historia, ya que, además, se queda abierta.

La historia cuenta como al principio de una relación todo es maravilloso, es la fase denominada "luna de miel", todo es genial, el amor que hay entre ambos es puro y sincero, pero -y siempre hay un pero- cuando pasa esta fase la relación puede tener dos trayectos totalmente diferentes. El primero, -tienes suerte si acabas en este- la relación puede seguir con la misma tónica: amor puro y sincero. La segunda, -que suele ser casi siempre- la relación comienza a enfriarse y a volverse más agridulce mientras comienza esa fase de "caída" hasta llegar al final. En ese final lo único que encuentras es tristeza pero recuerdas esa felicidad cuando empezó todo, y es cierto que el tiempo lo cura todo, y efectivamente la felicidad volverá otra vez, pero cuando pasas por esa sensación de tristeza no ves más allá de ello. Es interesante ver como se narra una sensación que a priori no puedes imaginar si no la has sentido, pero Taylor te lo muestra como si fuera un dibujo que todo el mundo puede entender.

Otra de las perspectivas que puedes tomar a partir de esta canción es la relación con Big Machine y todo el problema que le causó esta discográfica, y que sigue causándole a Taylor Swift. Hubo felicidad cuando Taylor estaba en esta discográfica por todo el éxito que alcanzó y las cantidad de música que lanzó, pero después de ellos también hay felicidad, y mucho mejor porque es SU PROPIA felicidad, no depende de nadie, nadie la controla.

Una canción muy abierta en cuanto a significado, podemos ver diferentes perspectivas y eso es algo que Taylor domina a la perfección también. No solo componer una canción con una historia totalmente visual y concreta, sino crear una bola del tiempo y adentrarnos en ella para sentirnos libres y poder relacionar con diferentes historias.

In our history, across our great divide there is a glorious sunrise dappled with the flickers of light from the dress I wore at midnight, leave it all behind and there is happiness

DOROTHEA

Esta canción es literalmente la otra visión de la historia que se cuenta en 'Tis the damn season. La historia cuenta como la otra persona le habla a Dorothea, que ahora es una estrella (dice que ahora solo la ve en la pequeña pantalla, a ver cuando vuelves por casa, todo sigue igual...) Pienso que podrían ser las dos versiones de la historia (al igual que hizo en Folklore con la historia de Betty-James). Una conversación entre los dos personajes. Líricamente es una conversación.

La instrumental: piano, guitarra y batería. La estructura perfecta para contar una historia. La incorporación de elementos como las armonías, la pandereta... hacen que tenga ese toque experimental que posee el álbum.

La capacidad vocal de Taylor en esta canción se demuestra en la gran escala que domina y la incorporación, otra vez, de la auto-armonía. Esto aporta una profundidad a la voz y a la instrumental que incluso podríamos denominar como otro elemento distintivo. Pero sin duda, algo que llama la atención es la incorporación del sintetizador durante toda la canción. Es de lejos el causante de que Dorothea suene tan ambientada y experimental, modifica los tiempos y los espacios, sobre todo a partir del segundo verso. Como si no dejara espacio para el silencio, para ganar ritmo e ir creando un aumento musical que, posteriormente, se une con la voz de Taylor.

Aaron Dessner ha compuesto con Taylor esta canción, pero también está involucrado en muchos más aspectos productivos e instrumentales. Se escucha. En esta canción puedes escuchar a la perfección a Aaron Dessner. Es un gran músico y es increíble la manera en la que se ha involucrado durante los dos últimos álbumes de Taylor, pero para mi, esta es de las canciones en las que más notamos su influencia. La producción cuando el sonido de todos los instrumentos se vuelve un único sonido, y como el sintetizador se une a todo esto es algo que resulta muy natural y eso es muy difícil de conseguir, y más en canciones como esta. El trabajo que hace Aaron es magnifico, muy limpio. De admirar.

It's never too late to come back to my side the stars in your eyes shined brighter in Tupelo

CONEY ISLAND FT THE NATIONAL

Coney Island es el puerto de Brooklyn, en Nueva York. En verano este sitio se llena de gente porque montan como una pequeña feria con una noria, puestos de comida y juegos.

La voz de The National junto con la de Taylor Swift me produce la misma sensación que cuando la escuché con Bon Iver. La composición entre la voz femenina más aguda y melódica y la masculina grave raspeada es de lo mejor que he escuchado últimamente.

La narrativa cuenta la historia de una persona sentada en un Coney Island vacío, sin gente y gris. Esto ya nos contextualiza con una visión triste de la historia.

La percusión acompañada de los mismos acordes de guitarra están creados para mantener plana la instrumental y darle mucha más visibilidad a la letra. Eso suele hacerse mucho en las baladas a duo ya que se preocupan mucho de las voces más que de los arreglos instrumentales.

Las armonías entre las dos voces son espectaculares, literalmente perfectas. Como he dicho antes, las combinación entre dos tonalidades tan diferentes crea melodías únicas. Es lo que pasó con Bon Iver y es lo que está pasando con The National. Es una experiencia auditiva maravillosa. En el puente tanto la parte vocal como la instrumental es muy fluida, se desarrolla por si sola.

Hacia el final de la canción, justo después del puente, la instrumental se vuelve mucho más importante. Deja atrás esa linea plana con la que empezaba y se vuelve mucho más rítmica. Si nos fijamos únicamente en ella podemos ver como va creciendo y la incorporación de los instrumentos de viento y cuerdas le dan un toque casi épico. Además, esto acompaña a la perfección a la letra. Termina y te deja una sensación muy grande. Termina y sabes que acabas de escuchar una canción enorme.

The question pounds my head what's a lifetime of achievement If I pushed you to the edge? but you were too polite to leave me

IVY

Ivy en inglés significa hiedra, y no es la primera vez que Taylor hace una referencia a la hiedra. Anteriormente en Getaway Car, canción de su álbum Reputation, menciona Poison Ivy (la hiedra venenosa).

Personalmente no encuentra ninguna referencia más allá del titulo con Getaway Car, pero el beat es muy parecido a Invisible String (Folklore). Como si se tratase de una distorsión de la melodía de Invisible String.

En esta canción encontramos una metáfora muy clara: la casa. En primer lugar la casa abarcaría el sentido propio de la palabra. Un lugar en el que vive la protagonista con su marido, pero a su vez es la metáfora del hogar que construye con otra persona. Taylor Swift está obsesionada con la idea de la concepción del amor como una construcción de un hogar con alguien. La manera en la que utiliza esta metáfora es narrativamente perfecta: 'Stop you putting roots in my dreamland my house of stone, your ivy grows and now I'm covered in you' (Deja de echar raíces en mi tierra de los sueños, mi casa de piedra, tu hiedra crece y ahora estoy cubierta de ti).

Hay algo precioso con lo que Taylor Swift está experimentando ahora y es el hecho de superponer varias capas vocales. Sobre todo compuestas por armonías. En esta canción se pueden escuchar a la perfección todas estas capas, y además, combinan a la perfección.

La historia cuenta una relación imposible o simplemente dos personas que se querían mucho pero no estaban hechos el uno para el otro. Pese a ello, la protagonista hubiera dado todo por conservar y vivir esos momentos juntos toda la vida. Incluso se llega a mencionar una infidelidad por parte de la otra persona, aun sin ello, la relación ya de por sí era imposible.

Y ahora que he construido una casa sin ti, de piedra, me doy cuenta que esta cubierta de momentos contigo. Tu has visto como toda mi vida se estaba destruyendo por tu culpa pero aquí sigues.

Es brillante ver a Taylor siendo una gran storyteller.

And the old widow goes to the stone every day but I don't, I just sit here and wait grieving for the living

COWBOY LIKE ME

La instrumental comienza y a los pocos segundos ya tenemos a Taylor cantando, algo que llama bastante la atención ya que tanto en Folklore como en este disco, la dinámica era la de introducción ambiental durante bastante tiempo y unir más tarde la parte vocal.

Pese a tener una instrumental muy bonita y una historia narrativa muy Taylor Swift, he de decir que me decepcionó el hecho de que esta canción no tuviera ese aire country clásico que esperaba al ver el titulo.

Puntualizar que durante varios momentos se escucha a Taylor armonizar con una voz masculina. Esta voz es de Marcus Mumford, vocalista del grupo Mumford & Sons. He de decir que, pese a no sonar como una canción country si que encontramos varios instrumentos que denotan esa influencia: la mandolina, el chelo, el sintetizador, la armónica y una guitarra lap steel. Esto produce un sonido country muy maduro y no al que estamos acostumbrado cuando se menciona este género. Líricamente también encontramos estas influencias. Es una canción cargada de influencias country pero con un paso más, mucho más allá.

La parte instrumental de la lap steel es simplemente brillante. La instrumental en general es una autentica maravilla.

La historia habla sobre un amor 'cowboy'. Los dos somos así y por ello nos hemos robado el corazón mutuamente. Es una canción romántica y con un final feliz, o por lo menos eso parece. Algo raro en Taylor últimamente.

Perched in the dark telling all the rich folks anything they wanna hear

LONG STORY SHORT

Si me tuviera que quedar con otra canción que no fuera Tolerate It, seguramente sería esta. Una instrumental perfecta, una producción exquisita y una letra que, personalmente, va acorde con mi vida actual.

Si es cierto que estamos ante una canción mucho más comercial. No hablamos de pop, pero si es mucho más "para la radio" que el resto de canciones.

La historia cuenta como la protagonista está comenzando una relación con una persona nueva, llevan poco tiempo y narra el momento en el que ambos hablan de su pasado y de sus antiguas relaciones. "Así por encima te digo que no era el chico adecuado", "así por encima te cuento un poco lo que pasó". Lo hace de una manera divertida y dinámica, como se supone que se debería dar esta conversación entre dos personas. Sin mayor importancia. Lo importante está en el aquí y en el ahora. ¿Qué más da el pasado? ¿A quién le importa lo que sucedió? Ahora estamos tu y yo y eso es lo importante. Es una canción de amor muy personal. Te cuento de modo abreviado todo lo que me ha pasado anteriormente en el amor pero ahora lo que me importa eres tu. Ahora lo único en lo que pienso eres tu.

Pese a estar en una época en la que Taylor está desarrollando mucho más su capacidad narrativa y el "storytelling", puedo llegar a pensar que esta canción si habla sobre su vida personal. Podría estar hablando sobre ella contándole todo su pasado amoroso a Joe. Ese pasado público del que todo el mundo habla, la infinidad de novios que ha tenido y de como ella, aun sabiendo que el lo sabe, se lo resume quitándole importancia.

Una canción con mucho más ritmo y, como digo, más dinámica. La batería sigue un patrón diferente y la conjunción con el resto de los instrumentos la hacen ser una canción distintiva a la hora de ver el álbum como elemento único.

Now I just know there's more no more keepin' score now I just keep you warm and my waves meet your shore ever and evermore

MARJORIE

Llegamos a uno de los puntos más especiales del disco y esto es porque Marjorie es el nombre de su abuela. Marjorie Finlay, la madre de la madre de Taylor Swift. Esta era una cantante de opera durante los años 50s.

En Folklore tenemos Epiphany, que hablaba sobre su abuelo, y que al igual que pasa aquí, es la número 13. Sin duda estamos ante una de las canciones más emotivas del disco y con la que todo el mundo se puede sentir identificado. Las abuelas son ángeles y ver como Taylor escribe esta canción tan preciosa sobre la suya es muy emocionante.

Es preciosa la manera en la que cuenta que pese a que su abuela ya no está aquí, sigue con ella, acompañándola en su camino. Estando presente. Sigue hablándole y siempre estará conectada con ella.

Además, en la producción de la canción se han integrado partes vocales de Marjorie Finlay como armonías. Impresionante. Es como si tuvieran una canción juntas.

"What died didn't stay dead you're alive, you're alive in my head" (Lo que murió no se quedó muerto estas viva, estas viva en mi cabeza). Básicamente es esto, lo que soy, mi espíritu, todo lo que pienso y creo en la música, al igual que en la vida, es gracias a ti.

El puente de la canción es la parte más emotiva y personal de la canción. Estamos ante una conversación casi con su abuela, deseando haberle podido preguntar más cosas, deseando poder tenerla al lado mientras crece musicalmente.

La canción al completo es una experiencia preciosa. Es imposible escuchar esta canción y no sentir nada.

Para mi la letra de está canción deja en un segundo plano toda la instrumental. No se cuantas veces lo he dicho pero sin duda es preciosa la manera en la que Taylor habla de su abuela. Como pese a no estar fisicamente sigue estando siguiendo sus pasos. Absolutamente maravillosa.

I should've asked you questions I should've asked you how to be asked you to write it down for me should've kept every grocery store receipt 'Cause every scrap of you would be taken from me watched as you signed your name Marjorie all your closets of backlogged dreams and how you left them all to me

CLOSURE

La instrumental inicial es, en mi opinión, demasiado. No es que no me guste, pero siento que pasan demasiadas cosas. De hecho, la producción en esa parte, y durante el resto de la canción, siento que está un tanto desordenada. Pero si soy sincera, y conociendo como trabaja Taylor, se que está hecha de esta manera con un propósito. Es una forma productiva muy experimental que no esperaba, y menos en un disco así. La hace muy interesante, es cierto, y además, líricamente está cargada de sentimiento. De hecho, está posiblemente sea una de las pocas canciones que hablen de su vida personal. E incluso me atrevería a relacionar esta canción con la historia entre Taylor y Kanye West, no solo por la letra y lo que cuenta, sino por la manera en la que suena el beat y la producción en sí.

La letra es básicamente la respuesta musical a una carta que le mandó alguien disculpándose. "Si, he recibido tu carta, estoy mejor, ya se que esto se acabo, no necesito que vengas a cerrar la historia". Es una letra muy valiente por su parte. Valiente y sin tapujos, y si realmente habla sobre la historia con Kanye, creo que es una manera muy sutil para "cerrar" esta narrativa.

Don't treat me like some situation that needs to be handled I'm fine with my spite

EVERMORE FT BON IVER

Otra colaboración con Bon Iver, algo que, personalmente, me encanta. Ya lo he dicho anteriormente, la combinación de sus voces es algo que resulta super satisfactorio para los oídos. La capacidad vocal de Bon Iver es amplísima y la manera en la que suenan juntos es algo precioso. Ya lo hicieron en Folklore con Exile, y ahora con Evermore. He de decir que después de Exile las expectativas estaban altísimas. ¿Se han cumplido? seguramente si, pero Exile es otro mundo, esa canción es insuperable.

No había mejor manera de cerrar este disco que no fuera con Bon Iver. Una vez más se repite el patrón de conversación que se inició en Exile. Las voces hacia el final de la canción evocan en una conversación con diferentes tonalidades y capas. Magnifica ejecución de ambos pero, la voz de Bon Iver es una maravilla, es otro mundo. Como digo, se repite el mismo recurso de conversación pero él ha subido su voz unas octavas, mucho más agudo, marcando de este modo una diferencia con Exile. También ha participado menos que en su anterior colaboración.

La voz de Taylor cuando se trata de una colaboración es como si descubriésemos otra faceta totalmente diferente de ella. Se va creando otra persona que evoluciona y cambia, y eso es muy bueno. Además, deja espacio (sobre todo cuando lo hace con Bon Iver), le deja su espacio no solo vocal, también creativo.

Instrumentalmente se va creando la canción por si sola. Una evolución progresiva que ya vimos en Exile. Es justo en el momento en el que aparece Bon Iver cuando se llega a la cima de ese crecimiento. Intencionado y fluido. Pero a su vez drástico, hay una gran diferencia con su entrada en la melodía.

Una canción triste a la que si ya le juntas la voz de Bon Iver se vuelve incluso dolorosa. La letra habla sobre el dolor y la tristeza que sientes cuando se acaba una relación. ¿Cuando terminará este dolor? ¿Hay una linea que pueda cruzar para dejar de sentir esto? ¿Cuando llega el momento en el que se cure esta herida?

Una manera espectacular de cerrar el álbum. No me canso de decirlo, las voces de Bon y Taylor son el ejemplo perfecto de una buena colaboración. No me importaría tener una canción suya en cada disco de Taylor.

And I was catching my breath staring out an open window catching my death and I couldn't be sure I had a feeling so peculiar that this pain would be for Evermore

Es surrealista pensar que el 2020 nos ha regalado dos álbumes de Taylor Swift, y no dos álbumes cualquiera. La manera en la que todo esta conectado no solo musicalmente, también en la situación que estamos viviendo, la manera en la que la ambientalidad "gris" y oscura que está viviendo el mundo se han plasmado en dos de los mejores trabajos musicales que he escuchado en mi vida.

Folklore llegó en el momento perfecto, en medio de una pandemia mundial, y causó un giro musical en la vida de Taylor Swift. Ahora Evermore llega con las mismas intenciones, extendiendo la idea experimental e introspectiva del storytelling. La gracia de estos dos discos es bucear en los matices de cada una de las canciones. En los pequeños detalles que van dejando.

Unos discos mucho más conceptuales y mucho más lineales. Necesitan de un proceso más largo de escucha y análisis para poder entrar de lleno en las historias.

Siendo sincera es cierto que existen varios elementos sobre todo narrativos que conectan ambos discos, pero Evermore para mi está bajo el concepto puro de disco único e independiente. Más allá de ser discos "hermanos".

Mucho más ritmo, más elaboración productiva y una narrativa más conceptual y sutil. Los instrumentos suenan más radiantes y vivos que en Folklore. Incluso podríamos decir que es un disco más optimista. Pero sobre todo, la gran diferencia es la gestión vocal de Taylor, mucho más limpia y delicada. Definitivamente es un trabajo experimental mucho más vocal que musical. Durante el disco hay muchos momentos en los que su voz experimenta situaciones en las que no habíamos visto a Taylor aun.

En definitiva, si tuviera que quedarme con tres canciones de este disco serían: tolerate it, long story short y willow.

Taylor Swift ha llenado el 2020 de maravilla musical, dos discos que han marcado, como digo, su carrera y que sin duda son un antes y un después.

Si no habéis escuchado aun el disco, no se que estáis haciendo sinceramente. Una maravillosa conjunción de historias que te transportan.

¡FELIZ 2021!