"Cherry Blossom representa la fugacidad, la fragilidad y el brillo de la vida. El álbum es sinónimo de renacimiento y nuevos comienzos, mientras te enorgulleces de dejar ir las inhibiciones y sumergirte en algo nuevo. Hemos puesto nuestro corazón en estas canciones y queremos que sean una terapia y una alegría para todos vosotros, al igual que lo han sido para nosotros"- Con estas palabras presenta la banda su nuevo trabajo "Cherry Blossom", un disco de lo más novedoso y alejado de la estética y estilo que nos presentaba The Vamps en sus anteriores trabajos.
Este disco es, literalmente, el renacer de la banda. Nunca antes habían sonado así, nunca antes habían producido sus canciones de esta manera y, mucho menos, habían hecho una elección tan precisa y ajustada de los instrumentos y las melodías.
Cherry Blossom es el claro ejemplo de la madurez musical de un artista. Se puede apreciar esa evolución progresiva con la que presentan este nuevo proyecto.
The Vamps, es una banda que compone y produce sus propias canciones y que además, son ellos los que tocan todos los instrumentos y crean las canciones desde 0. Eso siempre les ha dado una gran calidad musical, pero a pesar de ser ya muy buenos antes, ahora sin duda se han superado. La calidad y producción de este disco es muy superior a los anteriores en todos los aspectos.
Ellos mismos han reconocido que la máxima inspiración a la hora de crear el álbum fue: "una habitación llena de emociones y un sonido diferente que pudiera inspirar a la gente". Basicamente buscaban inspirar a todo aquel que escuchase Cherry Blossom.
La producción se creo a partir de pensar como podría sonar en directo. Literalmente querían un sonido similar al que escuchariamos en directo o que les inspirara a tocarlo en directo y ver su resultado. Esperar como sonaría live fue el elemento clave a la hora de producir el disco. Querian conseguir con este trabajo que la gente fuera mucho más abierta.
Un disco mucho más maduro y abierto con sus sentimientos.
1. Glory Days - intro
El disco comienza con una introducción instrumental creada simplemente para llevar a la persona que está escuchando el disco a una ambientalidad especifica.
En estos 14 segundos ya se vaticinan ese cambio de estilo y género que va a experimentar la banda a lo largo de este trabajo. Además, la producción crea ese “fade out” que conecta directamente esta introducción con la siguiente canción, como si fueran unidas. Tienen la misma instrumental y sirve, no solo como comienzo y bienvenida al disco, sino como también a la canción Glory Days.
2. Glory Days
Como he dicho anteriormente, la introducción sirve como un primer bocado de esta canción. Una pequeña presentación de lo que nos encontramos aquí.
Glory Days tiene un sonido muy Pop/Rock gracias a las estrofas creadas a partir de la instrumental centrada en la guitarra, la batería y el bajo. Ciertamente es como si escucharamos un “beat” trap sobre una instrumental rock. Una mezcla muy actual pero que bebe de unas claras influencias de finales de siglo.
La fusion de la instrumental con las armonías son las causantes de que escuchemos una melodía tan referencial y que consigue memorizarse con tanta facilidad.
El sintetizador no solo juega un papel fundamental en esta canción, lo veremos más adelante también, pero concretamente aquí crea una atmósfera muy diferenciada y única. Gracias a este tenemos esa sensación de unificación a partir del segundo estribillo creando mucha más potencia y aportando más poder a la canción.
Esta ambientalidad de la que hablo se mantiene en el puente pero bajando la potencia y la intensidad, sumándose unos acordes de piano que ayudan a a crear ese sonido tan diferente entre estructuras.
La canción está colocada en primer lugar a propósito ya que tiene un estribillo muy “pop” y es, como digo, muy fácil de recordar. Esto crea un gran comienzo de disco que, literalmente, te deja con ganas de más.
La voz de Brad, el vocalista, es impecable, y tiene mucho poder sobre la melodía. Ya lo veremos a lo largo del disco, pero la capacidad vocal del artista está mucho más trabajada y mejor utilizada que en discos anteriores. Se aprecia perfectamente ese crecimiento y madurez.
"Go and put your phone on airplane can we connect and communicate?"
3. Better
Esta canción tiene un beat muy marcado por el bajo, fácilmente la estructura se construye al 100% sobre este instrumento. El bajo es el instrumento más importante de Better y del que a partir de el, como digo, se crea la canción.
Escuchar Better es como escuchar un temazo dance que alterna elementos ochenteros con el sonido actual del Pop/Rock. Las influencias son muy variadas y recogen recursos de los 70s, 80s y 90s, pero a su vez se complementan con ese sonido característico de la banda que me llevan a denominarlo como “80s new way”.
Otro de los elementos que caracterizan esta canción es la gran utilización de armonías a lo largo de casi toda la canción. Están modificadas y unidas a los efectos de post-producción en los que se añade una leve distorsión a las voces creada a través de un sintetizador.
La aparición del sintetizador hace que esta canción suene como el pop de los ochenta, muy rítmico y dance.
El puente está creado a partir de las propias armonías de las que hablaba antes, ademas, son utilizados casi como elementos instrumentales, como si fueran parte del propio sintetizador, grabadas en el y producidas antes de ser grabadas. Van in crescendo y aumentando su propia potencia. Algo que aumenta mucho más la ruptura con el último estribillo.
"I bite my tongue then I start to scream it but does it make a difference at all?"
4. Married in Vegas
La canción comienza con un riff de guitarra que posteriormente se utiliza como elemento de transición. Además, algo que sorprende es como este se utiliza a la hora de dar comienzo al puente. No te esperas para nada el cambio de ritmo y como cambia totalmente la canción en general. No parece que esta transición te lleve a un momento mas “lento” pero concretamente es eso lo que se busca, un contraste instrumental. Esto, pese a que suele ser muy drástico, The Vamps consigue que suene de manera muy natural y coherente con el resto de la canción.
La canción es un claro ejemplo de lo que la radio quiere y necesita. Un Pop/Rock sound pegadizo y con instrumentos que suenan únicos y de manera autentica. Como digo, Married in Vegas tiene esas claras referencias dance-pop de los 90s que profundizan a lo largo de la canción pero que centran su fuerza en el estribillo. Existe una diferencia rítmica entre los versos y el estribillo y es gracias a la incorporación de instrumentos como el piano.
Un ritmo muy Upbeat con un contraste entre estructuras que hace posible que en el puente se pueda escuchar muy suaves los coros acompañados de una guitarra.
Sin duda, un single muy bien elegido. Resume a la perfección la temática, tanto musical, como lírica, que seguirá el resto del álbum. La calidad instrumental que demuestran en esta canción es mucho mayor que en sus trabajos anteriores, y pese a que la estructura se mantiene, la canción suena totalmente diferente.
Married in Vegas cumple con todas las expectativas que buscan las radios musicales, es una canción dance que combina varios géneros pero que a su vez, bebiendo de esas influencias, suena muy actual.
"I drink you down, the aftertaste tastes like heartbreak and mistakes, but I can't wait"
5. Chemicals
Posiblemente la canción más diferente del álbum, este se debe a su producción basada únicamente en la focalización en el bajo. Como digo, este instrumento ocupa el lugar principal durante toda la canción y, crear a partir de este una melodía, resulta muy distintivo.
Otra de las variaciones que encontramos en Chemicals son los “vocals” (voz) de Brad. Tiene mucha más agresividad e incluso un raspeo que definitivamente pertenece a otro registro de su voz totalmente diferente al que utiliza en el resto de canciones. Esto, además de crear una atmósfera totalmente diferente, le da un toque de pop/rock que añade fuerza con el bajo.
El estribillo se va construyendo (Building up) progresivamente y cuando parece que va a romper similar al resto de canciones, lo hace de una manera totalmente diferentes: simplemente utilizando el bajo como estructura rítmica y la batería acompañándolo. Finalmente, el resultado que escuchamos nosotros es la combinación de estos dos elementos con intercalación de coros y un riff de guitarra que da comienzo al estribillo en sí.
El bajo da ese toque único especialmente en esta canción pero ocupa una gran importancia en todo el álbum: (Base riffs) los riffs o solos de bajo.
Obviamente esta canción, como casi todas, nace de unas grandes influencias, en este caso el sonido recuerda mucho a ese pop-rock de los 80s/90s.
Posiblemente la única parte de la canción en la que nos encontramos en un total cambio de ambiente es el puente: este cambia al 100% el ritmo y evoca a una parte casi “acústica” del estribillo.
Podríamos decir que esta canción tiene un sonido mucho más oscuro “dark aesthethics” pero manteniendo esa luz o brillo que refleja Cherry Blossom. Este brillo del que hablo, en parte, tiene mucho que ver con la voz de Brad a lo largo de la canción. Si separásemos voz de instrumental, se apreciaría mucho más estos matices, y por lo contrario, ese sonido “dark” viene al 100% por el hecho de estructurar una canción al completo sobre un instrumento como lo es el bajo.
"Make me want to cash a cheque all in every time I got you with me I'm feeling like I lose my mind"
6. Would You
Would You fácilmente podría haber sido una de las grandes canciones de los 80s. Lo tiene todo. Tiene cada elemento que caracteriza esta época y, además, la producción se centra en los instrumentos y las distorsiones vocales, algo claramente influenciado por esa época.
El estribillo es la parte más característica de esta canción, ya que tiene un ritmo upbeat impresionante. Una autentica maravilla productiva y que no deja indiferente a nadie. Sin embargo, durante los versos la instrumental se vuelve mucho más sencilla pero que mantiene ese “beat” y crea un sonido totalmente único.
Volviendo al estribillo otra vez, si nos centramos en la instrumental de este vemos como casi “colea” tras este dandole mucha más importancia a los ritmos sencillos, a los golpes de beat y a la instrumental.
La voz de Brad en esta canción también se convierte en un elemento más añadido en el conjunto instrumental y es que, ejecuta unos “vocals runs” (modificaciones de la voz) durante el segundo verso y tras el puente que están editados de tal forma que suenan casi como “robotizados”. Estas distorsiones no están ahí sin ninguna motivo, también eran un recurso durante finales de los 80s y 90s.
Respecto a la letra y su significado, Would You habla sobre la distancia que se crea entre dos personas en una relación y una de ellas se pregunta que pasaría si se fuera, ¿le importaría?, ¿se daría cuenta de que se ha ido?, ¿se daría cuenta de que ya no es parte de su vida?. Una canción un tanto triste que habla de un momento duro de la relación pero que se convierte casi en una balada pop-rock con un estribillo que no diríamos que suena a “balada”, si lo pensamos con el concepto de balada que conocemos y al que estamos habituados.
Es increíble la fusión y combinación tan distinta que hacen en Would You. Lo ven con una visión muy distinta a la típica balada comercial. La nota alta de Brad en el último estribillo es una maravilla, además de hacer sus propios coros, también distorsiona la melodía.
En esta canción tenemos un mensaje triste con el que muchas personas se podrían llegar a sentir identificadas, pero que a su vez tiene un sonido muy dance que contrapunta a la perfección la canción. Podríamos llegar a denominarlo como “dance while crying” (baila mientras lloras).
"And I wonder how you talk 'bout us Do you light up when you start to speak? If I even cross your mind at all"
7. Bitter
La canción comienza con un riff de guitarra eléctrica muy potente al que se le suma el bajo, instrumento que como ya hemos visto en las canciones anteriores es fundamental para la estructura principal de la canción.
La instrumental está casi siempre al 100% distorsionada por un sintetizador y da la sensación de que la voz de Brad también lo está. Esto, como en Would You, es un recurso que se utilizaba y se puso de moda a finales de los 80s, y escuchando esta canción, en producción se ha conseguido a la perfección ese sonido ochentero viejo y distorsionado. Una canción mucho más orgánica que Would You pero que mantiene bastante similitud, ya que recoge ese dance del que hablábamos.
La transición de verso-estribillo es increíble y la producción de está canción, una de las mejores que he escuchado en mi vida.
Las influencias, tanto de finales de los 80s como, y principalmente, de los 90s, son muy claras, casi evocan a creer que han sido compuestas y producidas durante esos años.
Como elementos principales destacan el bajo, la guitarra y el sintetizador. Además, también se incluye una batería tanto digital como acústica.
Bitter transmite una nostalgia de tiempos pasados mezclada con un sonido actual similar al que escuchábamos en Wildflower de 5SOS. Esto es algo para destacar y, es que, varias bandas como lo son 5SOS y The Vamps están trayendo de vuelta ese sonido “antiguo” añadiéndole esa personalidad característica y creando un sonido mucho más actual pero sin perder esa esencia de finales de siglo. Es justo al final de la canción donde se puede apreciar a la perfección ese contraste entre el sonido 70s/80s/90s y ese new school sound del pop-rock actual creado a partir del sintetizador.
El bajo es básicamente la estructura de esta canción, algo que no sorprende ya que casi construye más de la mitad del álbum.
Como también habíamos escuchando anteriormente, el puente suele ser utilizado como momento de break o pausa para centrar toda la atención en la voz de Brad.
Pero es justo en el final de la canción donde se incluye la parte más orgánica del álbum, un clip de ellos dando palmas y haciendo percusión mientras cantan los coros acappella. Esto actúa como progresión invertida para cerrar la canción. Son ellos mismos los que están en el estudio y directamente grabando lo que escuchamos al final de Bitter, crean un “fade out” perfecto.
Sin duda lo más interesante de esta canción es esa fusión de eras y años que consiguen a través de las influencias y su sonido actual. Ya veremos más adelante como la banda se ha influenciado de los 70s durante todo el disco. Muchos sonidos diferentes, creando uno muy único y diferente entre las canciones.
"Even sugar tastes sweeter out your hands I come back every time"
8. Part of Me
Como casi todo el álbum, la estructura de esta canción también está creada a partir de la guitarra, la batería y el bajo.
El instrumental es mucho más simple que el resto pero de todas formas sigue de forma muy presente. Los vocales parecen que se extienden de una parte a otra de la canción, da la sensación de que todas las frases estuvieran unidas.
A diferencia de el resto de canciones, en Part of Me se le da mucha más importancia a la letra que a la instrumental. Esto puede suceder porque está centrado en el beat de la batería, no en el bajo, como en el resto de canciones. Por eso, pese a tratarse de una batería muy rítmica, pierde mucho más ritmo que cuando se centra en el bajo. La batería, por tanto, es el instrumento más importante de esta canción. El ritmo, como en casi el 90% del disco, es muy upbeat.
Si nos centramos en la letra de la canción, esta habla sobre una relación que acaba de terminar y que cuando rompieron la otra persona literalmente se llevó consigo la mejor parte de la otra. Todas mis cosas buenas estaban contigo, eras el causante de mis mejores aspectos y características. Este es un mensaje con el que muchos podemos sentirnos identificados, por ello la gran importancia a la letra.
El puente incluye una parte instrumental (algo que en mi opinión es uno de los mejores recursos que se pueden utilizar para darle la importancia suficiente a los elementos y crear un pequeño ínterludio con el último estribillo). Este puente se divide en dos partes: la primera como digo, instrumental con la presencia de coros, batería, bajo y guitarra. La segunda parte se centra más en especifico en la voz de Brad. Tras este puente llega el último estribillo con mucha mas fuerza pero con algo totalmente inesperado, el mismo ritmo que venía de antes pero con las voces acapella y provocando una distorsión en la voz. Como he dicho ya varias veces, este álbum recoge muchas influencias musicales, y este es uno de los momentos en los que podemos apreciarlas en Part of Me. Por último, creando un gran final, añaden unos runs vocales de Brad llevándonos a una nota alta del cantante para volver a un estribillo normal.
"You took a part of me, the best piece can't bear to see another body"
9. Protocol
Protocol es una balada como las que conocemos: con el sonido y ritmo de una balada pop. Posiblemente la canción con el ritmo que menos ha cruzado esa “linea” que nos ha traído este disco de The Vamps. Pero aun así, mantiene esa madurez que no tenían sus baladas antiguas.
Los riffs de guitarra eléctrica durante los versos son el único elemento que mantiene esa “temática” de Cherry Blossom. Por su parte, la batería es mucho más simple que en otras canciones pero aun así sigue manteniendo la estructura de la melodía.
Dado este cambio de ritmo, la canción posee una ambientalidad totalmente diferente al resto, con mucha más introspección.
Sin duda alguna, la voz de Brad en esta canción es una de las mejores que escuchamos en este disco. Tiene mucha más emotividad que en el resto y escucharla con auriculares te pone la piel de gallina. Demuestra a la perfección su gran habilidad vocal y registro.
Tiene mucha fuerza en los estribillos tanto instrumental como lírica, solo hay que escuchar la manera en la que dice “protocol”. Una canción que es puro sentimiento y emoción.
El puente, como en Part of me, es instrumental dandole de esta manera la importancia a los instrumentos, estos se desarrollan de una manera mucho más libre, sobre todo la batería y la guitarra. Simplemente emoción, pura emoción.
Sobre la letra, está canción es una introspección y una conversación consigo mismo sobre qué pasó con la relación y por qué acabó así. Literalmente es como escuchar un corazón roto.
"When my friends hear the rumours they'll tell me they knew that you were bad news from the start"
10. Nothing but You
Siguiendo la tónica del disco, esta canción tiene un sonido muy 80s, posiblemente la canción mas ochentera del álbum, mezclado con el sonido actual del pop-rock. Es casi como si volveríamos a los 80s. La reminiscencia en canción. Y como una buena canción de los 80s, la batería, las guitarras y el sintetizador ocupan los lugares más importantes a la hora de crear este tema.
En el estribillo encontramos diferentes entonaciones y ritmos de la misma frase: “Wake up wearing nothing but you”. Es como si fuera una escalera “subiendo” y suena muy guay. Tristan Evans es el batería del grupo y he de decir que siempre es perfecto, pero en esta canción es un sobresaliente, literalmente espectacular.
La transición del puente es totalmente diferente al resto de la canción, un juego de contrastes muy interesante y que se crea a partir de ecos de la voz creados gracias a un sintetizador, y como en Part of Me, este puente también está dividido en dos. La segunda parte es instrumental y da paso al último, y más potente, estribillo.
“Puedes coger todo lo que quieras de mi vida (“las llaves de mi coche, las cosas de mi armario…”) y me dará igual. Estará bien perder todo lo que tengo si eso significa que puedo despertarme “vistiéndote”. Tu amor significa mucho más para mi que todo lo que tengo en mi vida. Tu amor es más importante que lo material, así que quítame todo, quitarme todo lo que quieras menos a ti” se trata de una canción claramente de amor.
"Break into my new apartment take the damn keys to my favourite car and here's the combination to the safe in the closet It's all yours if you say that you want it anything you need, you got you can have it, keep the lot nothing I wouldn't lose if I knew I'd wake up wearing nothing but you"
11. Treading Water
Como canción final tenemos la única canción del álbum acústica. Compuesta a partir de una guitarra acústica y la batería. Si antes había dicho que en Protocol la voz de Brad era una de las mejores canciones en las que se podía apreciar, esta es la otra. Es literalmente impresionante lo buen vocalista que es, una maravilla.
En el estribillo encontramos una gran importancia en la parte vocal de Brad a la que le acompañan coros del resto de la banda formando armonías, algo totalmente clave en las canciones acústicas.
Sin duda la canción más diferente del disco (junto con Protocol y Chemicals). Una instrumental mucho más lenta y focalizadose en la guitarra acústica (que suena casi como una guitarra española en algunos momentos) Esto hace que le demos mucha más importancia a la parte lírica, a la voz de Brad y la emoción que pretende transmitir.
Las transiciones de las diferentes partes de la canción son producto de una gran producción y la gran capacidad musical de los componentes de la banda. Ya sabíamos todos que The Vamps son muy buenos músicos, pero con este disco lo han demostrado. Brad tiene una gran capacidad vocal pero en esta canción se supera, parece que no tiene limites de rango. Un 10.
El puente, instrumental, es una autentica obra de arte. En la parte final de la canción se crea como una conversación entre Brad con la melodía principal y los coros con muchísima cohesión creando una ambientalidad perfecta para la última canción del disco, y a la que finalmente se le suma el bajo para dar mucha más estructura.
Sin duda un final precioso y cargado de emotividad. Es una canción final que realmente se siente como un final de álbum, casi como si terminásemos una historia. Eso es fundamentalmente lo que se quiere transmitir con esta canción, el final de una historia que se ha contado a lo largo del álbum.
La instrumental está mucho más “baja” o “lenta” que en el resto de canciones pero resulta tan necesario para finalizar este disco que es perfecta. El solo de guitarra acústica es el elemento clave de la canción y, además, aporta un sonido totalmente distinto al de la canción.
La canción habla sobre ese momento en la vida en el que necesitamos amor. Justo cuando necesitas ese amor, lo encuentras. “Voy a esperar pacientemente que llegue este amor, pero al final del día, primero tengo que aprender a quererme a mi mismo, para poder aceptar este amor”.
"This lonely heart of mine grows colder every night and this glass upon my eye falls victim to the light"
CONCLUSIÓN
Un disco perfecto que recoge cada uno de los aspectos más bonitos de la voz de Brad, la exquisitez de James con la guitarra, la perfección de Connor con el bajo y la excepcionalidad de Tristan con la batería.
Cherry Blossom va de bien a mejor. Literalmente no tiene ningún canción mala o floja (ni si quiera una parte de una canción es mala), no hay una que no siga el tema del disco o que desconcierte.
Un trabajo repleto de capas y diferentes sonidos a lo largo de sus canciones. Un disco perfecto de principio a fin. Para escuchar al completo y sin saltar ninguna de las canciones.
Una era totalmente diferente de la banda. Un nuevo comienzo y 100% diferente a sus anteriores trabajos. Posiblemente, y lo digo muy segura de mis palabras, el mejor disco de The Vamps, y uno de los mejores que he escuchado este año.
Creo que algo que debemos saber todos es el gran trabajo que hay detrás de Cherry Blossom, y es que no solo los componente de la banda han compuesto las letras, también han producido las canciones al completo. Esto es algo fundamental a la hora de crear un producto final, la producción es lo que le da sentido a todo, es la causante de que hoy escuchemos estas canciones como son. Brad Simpson, vocalista, guitarrista, pianista y compositor de la banda, ha producido 5 de las 10 canciones de este álbum. Literalmente ha estado y trabajado en cada paso que han dado las canciones, algo que lleva mucho trabajo y que es de agradecer. Hay mucha implicación por su parte y eso, hablo por mi, me hace disfrutar este disco aun más. Las canciones producidas únicamente por Brad son: Would You, Bitter, Part of Me, Protocol y Treading Water.
No tengo palabras para expresar lo buenísimo que es este disco. Literalmente desde el momento en el que lo escuché por primera vez me quede sin palabras. La madurez que demuestran es impresionante y las influencias son tan claras y diferentes a lo que yo esperaba de The Vamps, que sinceramente, creo que es eso lo que me hace estar tan obsesionada con este álbum. No puedo dejar de escucharlo.
Si tuviera que quedarme con tres canciones de Cherry Blossom (no podría pero) posiblemente serían: Bitter, Would You y Treading Water.
Como siempre, os dejo aquí algunas fotos y videos durante la composicion y creacion del álbum, además The Vamps ha creado las "Blossom sessions" que son videos en directo en los que tocan algunas de las canciones del disco de manera mucho más organica.
Estos cuatro video de las Blossom Sessions son una autentica maravilla, de verdad que os recomiendo que los veáis porque se aprecia a la perfección la gran calidad musical de los cuatro.
Directo que hicieron el día que se publicó el disco:
Después de una semana del lanzamiento de Cherry Blossom ya ha sido número uno en Reino Unido y además The Vamps ha conseguido 4.000.000.000 de escuchas globales.
