Análisis de 'In A Dream' el nuevo EP de Troye Sivan

Después de dos años desde el lanzamiento de su segundo disco ‘Bloom’ el cantante ha vuelto con un EP compuesto por 7 canciones, una de ellas, ’10/10’, solo disponible en la versión vinilo que saldrá el 9 de octubre.

In a dream es un EP conceptual que narra una historia que aún sigue en desarrollo. Esta pequeña colección de canciones explora un periodo de su vida que fue como una noria emocional cuando los sentimientos y las ideas eran muy frescas.

Troye grabó 5 de 7 canciones de este EP con el productor Oscar Görres entre Estocolmo y Los Angeles justo antes de la pandemia y el encierro.

Un disco muy indie al puro estilo de Troye Sivan, pero añadiendo esos pequeños detalles que son tendencia en el pop haciéndolos suyos. También las decisiones que toma más experimentales o arriesgadas como las outros, la edición en la voz… quedan muy bien y están colocadas con mucho sentido y muy bien hechas. Un EP muy especial y con una producción muy buena, cuidando cada detalle y sonido.

1.Take Yourself Home

Fue la primera que escuchamos ya que la sacó durante la cuarentena, concretamente el 1 de abril de este año. Esta canción habla sobre estar en Los Angeles y empezar a replantearse las cosas y tener una conversación consigo mismo. Preguntarse si realmente tiene que estar allí para hacer lo que hace, si sería posible volver a su país (Australia) y seguir haciendo lo que le gusta. En LA tiene muchas más oportunidades pero nunca estará arriba del todo, siempre podrá conseguir más.

La industria de la música es una de las más duras a la hora de convertirte en el mejor o en ser quien está en la cima, esto es porque en realidad no hay una cima, siempre se pueden vender más discos, y llegar a más reproducciones.

En esta canción también se pregunta si se debería sentir bien por el hecho de estar en LA, tener todas las oportunidades que tiene, la vida que tiene… Se dice que en Los Angeles siempre es verano por el clima que hay, pero él echa de menos a su familia y le falta algo. Si realmente no es feliz en LA ¿qué hace allí? ¿Está perdiendo el tiempo? No sabe como ha llegado a esta situación pero hablando de ello es como se procesan las cosas y se encuentra una solución o un sentido a ese problema.

Una canción que comienza con una base muy lírica y simple, casi como si fuera algo aún por terminar. Pero mientras avanza la canción vemos como se construye sobre si misma, como van añadiendo elementos nuevos hasta llegar al estribillo y vemos un dominio fundamental del bajo. Pero sin duda la parte más especial y distintiva de la canción es el outro, es decir, el final de la canción. Es algo totalmente diferente al resto de la canción, super trabajado y con una producción industrial a base de Beats muy marcados.

2. Easy

Easy, muy synth 80s construida sobre una percusión muy orgánica. Esta canción posiblemente sea la que mejor describa el estilo del artista. Troye Sivan siempre ha dominado este género indie casi de finales de los 80s, y si, el cantante es uno de los grandes exponentes de este estilo en nuestra generación, y lo es por canciones como esta. Easy suena atemporal pero a su vez las referencias son muy ochenteras. Esta es mi canción favorita del EP porque suena mucho a ese indie que caracteriza al cantante y que, al final, lo hace único.

Una canción que habla sobre una infidelidad cometida por él mismo. Narra como hubo una época en la que se sentía solo y la solución en ese momento era estar con otra persona. Ahora lo que le toca es afrontar las consecuencias: estar triste, tener vergüenza, que te dejen y se vayan, que se derrumbe su vida en pareja, etc. Estas son las consecuencias que tienes que asumir una vez que has cometido ese error. Solo queda afrontarlas e intentar pasar pagina.

3. could cry just thinkin about you

Este es un pequeño y muy corto interludio en el que habla de como tras la ruptura, el otro chico aún sigue muy presente en su vida, lo tiene siempre en la cabeza. Su relación había comenzado hace ya mucho tiempo y por eso, eran casi la misma persona. Tu dejas de ser tu, él deja de ser él, y empezáis a ser ‘vosotros’. Es por eso que cuesta salir de esa dinámica de hacer las mismas cosas y vivir juntos. Todavía tienes en tu vida cosas que te recuerdan a esa persona, como ver una serie o leer un libro que te había recomendado, comer algo que él siempre cocinaba para ti, etc. La canción termina con resignación diciendo que ya no sabe quien es pero que supone que acabará descubriéndolo.

Acaba como si esto se tratase de una grabación de una cinta ya que al final escuchamos el sonido de alguien pulsando un botón, como si fuera una mensaje que está grabando el propio Troye en una cinta, termina y pulsa el botón para finalizar.

Un sonido muy muy orgánico, como si lo estuvieran grabando directamente en esa cinta y no sufriera ningún retoque o pasara por el estudio.

4. STUD

Esta, al igual que Take Yourself Home va creciendo conforme avanza la propia canción, hasta que se convierte en un tema casi diferente al que empieza.

La canción habla sobre encuentro fugaces, quedar con una persona perfecta pero simplemente para un rato, y después si te he visto no me acuerdo. Pero el mensaje va mucho más allá porque en esto lo que hace es explorar su propia inseguridad. Buscar fuera de ti lo que a ti te gustaría ser, pensar como te ve esta persona, preguntarte por qué le gustas a esta persona y por qué esta persona quiere estar contigo… pero a la vez rechazar estas respuestas porque te da un poco de miedo descubrir que a lo mejor sea una mentira, o que te digan la verdad.

En el puente de la canción se ve a Troye mostrando una falsa seguridad ya que va diciendo muchas cosas pero siempre termina las frases preguntando “right?”: “you’re into this, right? We should do this right, you can make my night, we should do this right, you’re into this, right?”. Aquí se ve como busca la reacción de la otra persona porque no se siente seguro del todo.

También tiene dudas sobre el propio encuentro en sí cuando se pregunta: “¿qué es lo que esto se va a llevar de mi o como me va a cambiar?” No está seguro del todo ya que siendo la persona que es no sabe como le afectará esto que esta a punto de hacer.

Puede que este tema del que hable la canción explique la edición que tienen las vocales, sobre todo en las estrofas, que suenan muy robóticas, como deshumanizadas al igual que el mensaje de la canción que explora unos aspectos que parece que en un principio no forman parte de sí mismo pero que está viviendo.

Una base a piano simple que va transformándose en una melodía super rítmica y enérgica que tiene una gran producción y va creciendo de manera ascendente y exponencial.

5. Rager teenager!

Un sonido muy parecido a Easy ya que también está construida sobre sintetizadores y una percusión muy solida.

Esta canción parece que este hablando de encontrarse con alguien de su pasado, pero en realidad habla de una carta que se escribe a si mismo en el pasado. Le está hablando a esa parte de si que parece que ha desaparecido en algún momento, esa parte que buscaba vivir aventuras, sentirse joven, vivo y libre. De esto viene la exclamación en el titulo de la canción.

La parte del outro, va subiendo y creciendo pero a la vez suena muy dulce y refleja la juventud con ese sonido tan suave pero que crece y tiene mucha energía.

6. IN A DREAM

El EP termina con la canción que le da titulo, in a dream. Una canción en la que se está negando a dejar entrar a la persona con la que ha cortado. Es un debate en el que existen dos partes: la primera es la de me gustaría estar contigo y la segunda es la del recuerdo de: han cortado y es lo mejor para los dos, tiene que olvidarse de él y empezar de nuevo sin ninguna atadura al pasado.

Te he borrado del móvil, he vuelto a Australia para estar lejos de ti, pero parece ser que tu fantasma me ha seguido a casa, se me aparece en sueños y no me deja en paz. Pero aun así seré fuerte y pasaré pagina.

Refleja estos sentimientos encontrados como cuando dice: “I Think about it” y seguido de “Can’t think about it” o cuando dice “¿puedes volver?” Y justo dice “ay no quería decir eso”.

Una cancion con mucha pruducción y con una bateria que alimenta una energia que se va construyendo conforme avanza la cancion. Muchos elementos pero muy bien colocados para conseguir una estructura solida y muy muy ochentera.

Un indie-synth repleto de sonidos electricos puntuales y una bateria que le da profundidad a la canción. Un sonido muy caracteristico de Troye Sivan.

Un EP con el sonido tan característico del cantante. Un indie alternativo y muy ochentero. Creado a partir de sonidos orgánicos y, al contrario, sonidos creados a partir de sintetizadores. Contando una historia de principio a fin en orden cronológico. Un trabajo muy personal que se ha visto muy influenciado por el pop actual pero que pese a ello, ha sabido mantener su propio estilo y hacerlo dominar.

En mi opinion este es uno de sus mejores trabajos en cuanto a produccion y musica en sí. Las instumentales son muy precisas y concretas en cuanto a estilo y eso las hace perfectas. Ha sido arriesgado con la incorporacion de elementos como las outros y las ediciones de voz, pero ha sabido colocarlas en los momentos que la propia cancion lo pedía. No supera Bloom pero sigue una linea muy parecida.

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Análisis de 'folklore' el octavo álbum de Taylor Swift

La mejor sorpresa del 2020

Taylor Swift vuelve a reinventarse con ‘folklore’ su disco más alternativo y con el que nos transporta a un universo nostálgico y narrativo a través de unas melodías muy intimas.

El aislamiento durante la cuarentena ha inspirado a la cantante a crear un disco repleto de historias que son capaces de mezclar la realidad con la ficción. Se trata de un proyecto más maduro y experimental, pero a su vez el más arriesgado comercialmente por la falta de promoción, pero sobre todo, por el cambio de género musical que nadie esperaba.

Gracias a este disco nos adentramos en sonidos mucho más melódicos y alternativos muy alejados de la versión pop que nos dejó con su anterior disco, Lover. Tampoco se parece a la ya conocida “old Taylor” que defendía un Country actual y escribía letras dramáticas sobre sus relaciones amorosas. En este nuevo trabajo, titulado ‘folklore’ siguen estando esa maravillosa narrativa y las palabras con las que Taylor ha dominado el mundo de la canción desde sus primeras apariciones, pero descubrimos un universo muy diferente donde conviven las metáforas, la melancolía y la mezcla entre ficción y realidad.

La cantante a través de sus redes sociales ha mencionado que las composiciones de folklore dejan de estar únicamente ligadas con su vida personal para hundirse de pleno en su imaginación. Aquí las canciones nacen de sentimientos en forma de imágenes que se convierten en historias que podrían integrar toda una colección cinematográfica. Pero algo que resulta muy novedoso es la producción. Apuesta por música mucho más acústica a piano y guitarra que ayuda a envolver con delicadeza todo el álbum.

Es la propia artista la que ha descrito el concepto de su nuevo trabajo en el videoclip de cardigan (una de las canciones de folklore y la que es su primer single): un piano viejo y roto, una chimenea, una casa de madera, un océano caótico, un bosque encantado… Es decir, un ambiente otoñal, acogedor y muy tranquilo que es capaz de transportarnos a lugares fantásticos pero que además nos hace sentir solos y en peligro aunque al final la música siempre está presente en forma de salvavidas para ayudarnos a escapar. Este es principalmente el objetivo de folklore: contar cuentos en canciones.

El nombre del titulo del disco es ‘folklore’, en español folclore. Esto es una parte de la cultura que se compone de historias, canciones, etc y que se comparten y transmiten de manera oral de generación en generación y que sufren alteraciones debido a este boca a boca. Es decir, al final, cuando nosotros escuchamos este folclore no sabemos si lo que cuenta es realidad o fantasía, si no que esta compuesto por la historia en sí añadiendo fantasías y aportaciones de la gente. Al final, acaba formándose algo casi mágico. Es justamente lo que estamos escuchando en este disco, ya que a diferencia de lo que la cantante solía mostrarnos, estas historias son mezclas entre la realidad y la ficción, como el folclore. En este álbum, Taylor esta dejando volar su imaginación y nos esta contando historias que, aunque pueden estar influenciadas o tomadas de unas reales, están separadas de ella de tal manera que se crean nuevas perspectivas, personajes y experiencias que no necesariamente son personales. Es como un cuento.

Si hablamos del sonido del álbum es de lo más orgánico e indie que la cantante nos había mostrado nunca. Construyendo principalmente sus canciones sobre piano, guitarra y batería. Pero si algo hace especial a ‘folklore’ son las letras. Taylor Swift es una experta en transportarnos a una imagen mental a través de su composición, utiliza una narrativa que, en mi opinión, la hace única y que pocos artistas de nuestra generación dominan. Pero en este disco, como ya he dicho anteriormente, ha dejado volar su imaginación y nos ha transportado a un mundo lleno de fantasías y con una narrativa que supera lo que ya nos había mostrado. Las historias que nos cuenta nos las presenta de una manera muy poderosa, sin dejar sin mencionar ni un solo detalle, tal y como si fuera un cuento, con la introducción, desarrollo, nudo y desenlace. Su voz suena tan cruda y sincera, incluso como si no tuviera nada de edición, que hay canciones en las que se te pone la piel de gallina.

En definitiva, es un disco muy melancólico e incluso triste. Canciones con letras e historias muy trágicas pero que a su vez son preciosas.

Guía 'folklore'

1. the 1

La primera canción del disco se llama ‘The 1’ (el primero). Esta habla de un amor pasado y que ha terminado pero desde una perspectiva en la que Taylor no había indagado aun: recordando esa relación con ternura, cosa que en anteriores trabajos de la cantante siempre había relatado con un poco de “rencor”.

Habla de lo que podría haber sido si no hubieran terminado (“but it would’ve fun if you would’ve been the one”) y si hubieran superado todos esos obstáculos que les surgieron. Hay una frase en la que dice “and if you never bleed, you’re never gonna grow” (si no sangras, nunca vas a crecer), esto quiere decir que si no somos capaces de superar estos obstáculos que encontramos por el camino, pese a que terminemos sangrando o doloridos, nunca vamos a avanzar, ni seremos capaces de crecer como personas, o como pareja. Pero principalmente el mensaje de esta canción es el recuerdo que queda de una persona a la que has querido y con la que has compartido muchos momentos felices. Es imposible olvidarlo de un día para otro, y pese a saber que no es beneficioso para ella, sabe que no puede dejar de hacerlo y que lo recuerda como algo bonito.

La canción se estructura en compases de tres golpes y, por eso, las frases tienen casi el mismo número de sílabas y tono. Los golpes fuertes siempre se sitúan en la mima parte de la letra y para darle importancia a esta se deja un golpe final sin letra. Solamente encontramos un cambio significativo en la instrumental y en esta estructura en el Pre-Chorus y en el puente, en este final se dobla el número de sílabas pero se dividen los versos.

Una canción que en cuanto estructura podría resultar un tanto plana y monótona pero la letra le da el sentido completo. Esto pasará en varias canciones a lo largo del disco, pero ya sabemos que este es un trabajo centrado principalmente en las historias que cuentan, además no olvidemos que es indie-folk, no podemos pretender escuchar lo mismo que nos dio Lover.

“You know the greatest loves of all time are over now”

“In my defense, i have none for digging up the grave another time”

2. cardigan

El primer single de la nueva era de Taylor Swift, y también la primera canción en la que nos presentan una temática que abarcara tres canciones durante ‘folklore’: un triangulo amoroso adolescente. En cada una de estas tres canciones habla una de las personas implicadas en esta historia de tres desde un momento diferente de su vida. En cardigan encontramos la voz de Betty, que es la chica a la que han sido infiel.

En esta canción lo que se nos muestra es la visión de Betty cuando entró en la relación con esta pareja que posteriormente le fue infiel. De como ella se sentía rota a causa de experiencias pasadas pero como a su vez gracias a esta relación nueva volvió a la vida: “And when I felt I was an old cardigan under someone’s bed you put me on and said I was your favorite”. También nos recuerda momentos específicos juntos como: “But I knew you dancin’ in your Levi’s drunk under a streetlight” y “I knew you hand under my sweatshirt baby kiss it better”.

En esta canción se cuenta la historia de Betty pero a su vez, y como en casi todo el disco, estas historias ficticias acaban relacionándose con la propia Taylor (en esta canción lo vemos en el primer verso).

Una de las frases con más significado e importancia de la canción es: “when you are young they assume you know nothing”. Con esto Taylor quiere representar esa creencia que defiende que los jóvenes, los niños y niñas, pero sobre todo las niñas, son menospreciados con la teoría de la ignorancia. Pero ella, como Betty, eran jóvenes y sabían muchas cosas. En el puente (elemento principal para el desarrollo de las historias de Taylor) se muestra como ella sabía todo eso que creían que por ser joven, ingenua y niña no tendría ni idea.

Esta canción está pensada para crear un ambiente especifico no solo con la letra, también con la instrumental. En principio y el final progresivo ayuda a la contextualización de esta imagen en tu cabeza. El piano lleva la melodía de la mano pero la batería crea una profundidad y le permite a la letra transmitir mucha más emoción en los momentos que esta lo requiere. Puede que musicalmente sea una de las canciones más completas y emocionantes del disco. Hay muchos elementos importantes que componen esta historia, en el punte la cantante ha creado una parte instrumental que crea incluso suspense respecto a la historia, esto lo suelen utilizar mucho en la música para generar ambiente y expectación, y también para introducir el comienzo del crecimiento de la canción, en este caso el puente. Es en este donde la letra, pese a seguir la misma tónica, se vuelve mucho más cruda y sentimental. Mucho más sincera y con una emoción desbordada. Totalmente estructurado de este manera para dar la sensación al oyente del crecimiento exponencial e infinito de la canción, junto cuando piensas que no puede bajar Taylor vuelve a introducir el Refrain: “And when I felt like I was an old cardigan under someone’s bed you put me on and said I was your favorite” para crear una estructura casi circular junto con la instrumental.

“I knew you tried to change the ending Peter losing Wendy”

3. the last great american dynasty

Una canción que pese al ritmo sigue siendo melancólica. Narra la historia de Rebekah Harkness, una mecenas estadounidense y que casualmente poseía una mansión que recientemente ha comprado Taylor, la conocida como “Holiday House”.

Uno de los maridos que tuvo Rebekah heredó una fortuna y cuando este murió Rebekah adquirió estos bienes y se convirtió en una de las mujeres más ricas de EEUU.

Pasó a ser el ojo del huracán y era criticada en cada paso que daba, ya fuera por celebrar fiestas o por relacionarse con personajes famosos. De hecho su grupo de amigas fue denominado “The Bitch Pack” (El grupo de las zorras).

Con toda la explicación e indagación en la vida de Rebekah Harkness podemos establecer una clara línea paralela con la vida de Taylor Swift: criticada por cada paso que daba, siempre en el punto de mira, sus amigas eran denominadas el “squad” y sobre todo, después de comprar una de sus casas.

Esta canción, en resumen, es un homenaje a Rebekah Harkness pero no de la manera clásica que suelen hacerse los homenajes. Este es un homenaje al más puro estilo Taylor Swift, predominante de ironía y chiste que puede resultar insultante e incluso atacante para Rebekah, pero que conociendo como escribe Taylor, es todo un regalo lleno de respeto y admiración.

Una mujer que hacía lo que quería, que no le daba importancia a las criticas y que solo vivía disfrutando cada segundo. Esto a la sociedad les resultaba un peligro.

En el puente, como ya he dicho varias veces es el punto clave en la narrativa de Taylor, mezcla esa ficción con la realidad y se hace participe de la historia. Se mete de lleno y a partir de ahí la canción pasa de estar contada en tercera persona a estarlo en primera. Con esto confirma esa teoría del paralelismo entre Rebekah y ella misma, y termina esta historia de una manera casi circular. Dejándonos con toda la historia de arriba a abajo contada y poniéndonos en bandeja a dos protagonistas, Rebekah Harkness y Taylor Swift.

Posiblemente la canción más rítmica del álbum y esto se debe al compas de la batería. No suena como unas baquetas habituales, es como si estuviera tocando con brochas durante los versos y al llegar al estribillo todo se intensifica y tocara con baquetas normales.

A esta percusión estructural se le suma un piano que simplemente está colocado para dar profundidad y emoción a la letra, ya que va siguiendo a esta. Si observamos la estructura lírica de la canción podemos ver como los versos son muy largos pero la simpleza de la batería y un acorde por verso al piano permite que la cantante de rienda suelta al número de sílabas por verso. De hecho, no suena ahogado en ningún momento, incluso parecen menos de lo que realmente son. Es solamente en el puente donde el ritmo se intensifica medio pulso simplemente con la letra y la velocidad de la cantante, el ritmo de la batería se mantiene estable pero crea una sensación de mucha más rapidez.

“There goes the maddest woman this town has ever seen”

“She had a marvelous time ruining everything”

4. exile (ft Bon Iver)

Posiblemente la canción más bonita del disco y con la melodía más impactante. La combinación de voces entre Justin Vernon y Taylor Swift provoca una sensación casi escalofriante y única al escuchar esta canción, sobre todo cuando ambas se unen en la segunda mitad de la canción.

La historia nos cuenta como dos personas que habían mantenido una relación en el pasado se vuelven a encontrar en el presente. Uno de los elementos más bonitos y que más sentido le da a la canción es la metáfora de la casa/ el hogar siendo la otra persona: “You were my town, now I’m in exile, seein’ you out”. Esto quiere decir que antes esa persona era tu casa, tu hogar, donde te sentías a salvo y ahora, que ya no estáis juntos, es como si estuvieras en el exilio.

Leyendo y analizando la letra se puede intuir la toxicidad de esta relación, como el hombre es posesivo e incluso agresivo: “ I can see you starin’, Honey, like he’s just your understudy like you’d get your knuckles bloody for me”. Ella no se siente bien recordando todo esto e incluso quiere terminan con este encuentro: “I’m not your problem anymore, so who am I offending now?” . La conclusión que sacamos gracias al puente y el final de la canción es que en esta relación, además de la toxicidad también existían problemas de comunicación (en el final de la canción hay una especie de dialogo entre ambos y vemos como a pesar de estar hablando ninguno de los dos se está escuchando).

Una balada a piano, con ese elemento como constructor principal de la melodía. Los coros comienzan en los estribillos, ya sean por parte de Justin Vernon o en la parte de Taylor Swift, y su función principal es la de transmitir una calidez y profundidad a la voz del cantante. Además son ellos mismo haciendo sus propios coros por lo que la emoción que genera es mucho mayor a la que transmitiría si los hicieran otras personas.

Durante toda la canción hemos tenido un piano estable con una serie de compases que se repetían, pero es en el puente donde además de este piano, las voces también cobran otro sentido mucho más emocional e incluso dinámico. El puente es la parte más trabajada de esta canción ya que emula una conversación entre ellos a través de la repetición de los versos variándolos de tal manera que fueran una contestación.

Ejemplo:

Justin Vernon: “ I never learned to read your mind” —— Afirmación

Taylor Swift: “Never learned to read my mind” —— Contestación

“Cause you never gave a warning sign (I gave so many signs)”

“You’re not my homeland anymore so what am I defending now?”

5. my tears ricochet

Esta canción habla sobre un torturador que aparece en el funeral de la persona a la que torturaba. El principio de la canción ya consigue ambientarnos en ese funeral gracias a esos angelicales sonidos procedentes de lo que simula un órgano. El narrador es el propio fallecido, hablando desde fuera, como si estuviera viendo la escena desde una perspectiva que no es la suya, propia de un protagonista, como un cuadro. Le habla a la persona que le ha estado torturando. Este relato, pese a tratarse de ficción, puede hacer referencia a su historia con Big Machine Records y Scott Borchetta. Este último hace un año aproximadamente vendió todos los discos y trabajos de la cantante a Scooter Braun, uno de los grandes enemigos de Taylor y el cual le ha estado haciendo la vida imposible.

La narradora en este caso podríamos decir que es la propia Taylor, la cual se siente muy traicionada con Borchetta y lo muestra en versos como: “Even on my worst day, did I deserve, babe all the hell you gave me?”

Esa canción enseña la típica escena entre dos personajes antónimos (como por ejemplo el perro y el gato), ninguno soporta la existencia del otro, se hacen la vida imposible, pero a la hora de la verdad, el uno no puede vivir sin el otro, ¿qué pasaría si el coyote se comiera al correcaminos? ¿qué sentido tendría ahora su vida?

Esto es lo que le pasa a Taylor, está viviendo su propio funeral desde fuera y ve como sus lagrimas rebotan: la persona que le había hecho la vida imposible estaba allí deseando que no se fuera.

Los coros con los que se introduce la canción suenan como si tuvieran eco. Esto está grabado con este mismo propósito para crear una emoción aun mayor en la persona que está escuchando la canción. El instrumento principal suena muy parecido a un órgano pero puede que sea un teclado con este mismo sonido. Ya que la canción habla de un funeral, el órgano suele ser parte de la música Cristiana, de esta manera, este elemento le da mucha más credibilidad a la historia. Como habitualmente hace Taylor, en el puente se añaden más elementos a la instrumental, pero el más destacado es la batería. Con esta se intensifica el ritmo y se crea una dinámica muy diferente a la del comienzo. Los coros se vuelven mucho más predominantes y todo a conjunto crea una fuerza mayor que sumado a los dos últimos versos del puente, es la parte más emocionante de la canción. A partir de aquí la canción toma la estructura musical que se había introducido en el puente y no la deja hasta el instrumental final. Acaba con un desvanecimiento muy similar al utilizado al principio.

“And when you can’t sleep at night (you hear my stolen lullabies)”

6. mirrorball

Una canción muy retro rock-vintage de los 80s. La voz esta grabada con un efecto de micrófono antiguo y esto hace que el sonido que escuchamos en la grabación suene distorsionado y con ruido, además de escuchar un eco constante. La canción esta grabada en capas y junto con esto, el resultado final, crea una melodía muy diferente en comparación con el resto del disco. El sonido, como ya he dicho, esta grabado de una manera diferente al resto de las canciones por lo que hace que esta suene muy especial y única. La instrumental va creciendo y desvaneciéndose durante toda la canción por lo que esta va tomando intensidades y texturas diferentes. Es como si le bajásemos el volumen al instrumental para poder escuchar la voz de Taylor solamente. Estructuralmente la canción es igual en casi toda su duración, por eso es el sonido la que la hace especial.

En esta canción, Taylor utiliza la metáfora de la bola de espejos: un objeto que se encuentra en el medio de la discoteca, girando y con todo el mundo bailando alrededor, pero que en realidad nadie se fija en ella. En un mero objeto de decoración.

Una canción de amor que puede ir dedicada a los fans o a una persona en concreto. “I’m still trying everything to keep you looking at me” (Todavía sigo intentándolo todo para que sigas mirándome). En resumen esta canción quiere hacernos ver que pese a que todo parezca que este acabando, pese a que se cierre la discoteca, la bola de cristal sigue allí, girando, Taylor Swift siempre estará ahí para sus fans.

" I'm still trying everything to keep you looking at me"

7. seven

La canción número siete se titula seven (siete en ingles). Al comienzo de la primera estrofa nos introduce en un ambiente de idilio, en la más pura infancia de la protagonista de esta historia. Esta chica nos cuenta una historia desde una perspectiva libre y feliz, sobre una amistad que casi podríamos traducir como un romance con otra chica. “Cross my heart, won’t tell no other” (prométeme que vamos a guardar este secreto). En la segunda estrofa nuestra protagonista habla con su amiga y le dice que debería irse a vivir con ella porque su padre siempre está enfadado y de esta manera en su casa no tendría que esconderse en un armario. El uso de “hide in the closet” (esconderse en el armario) es el elemento principal que indica que esta historia habla sobre dos chicas. Es a partir de esta estrofa donde la historia vuelve a la actualidad, de esta manera se entiende que es un recuerdo. Además, la protagonista también cuenta que es un recuerdo porque ella misma reconoce que pese a no recordar su cara la sigue queriendo, y que esta historia se ha convertido en una leyenda que alcanza un estado de mito y que posteriormente otras personas vivirán detrás de ellas “passed down like folk songs the love lasts so long”.

Taylor Swift podría haber tomado como inspiración para crear esta historia el libro Cumbres Borrascosas ya que la infancia ejerce un papel importante en ambas historias y adquiere parte de ello a la hora de crear o desarrollar esta historia de amor.

La guitarra y el piano forman una melodía indie que transmiten un sonido muy infantil e ingenuo. Además también han incluido otros instrumentos de cuerdas que junto con la percusión constante y el piano melódico crean un ambiente que completa perfectamente la historia que se está contando. Esta es una canción con el estilo muy bien marcado y definido. Tiene claros los conceptos y los elementos que se quieren utilizar, dandole la importancia precisa en cada momento para hacer una canción que suene folk, indie y mantenga una intimidad sin dejar de ser joven.

"Pack your dolls and a sweater we'll move to India forever, passed down like folk songs our love lasts so long"

8. august

Agosto, la octava canción del disco y el octavo mes del año. Esta canción es parte del triangulo amoroso que se relata durante todo el disco. La historia está narrada desde la perspectiva de la otra chica, con la que James había sido infiel a Betty. Cuenta una historia con una temática muy típica, un amor de verano que al terminar este, también lo hace la relación, es decir, totalmente condenados al fracaso.

Otra canción contada sobre un recuerdo y con este también el recuerdo de una relación que comenzó de forma furtiva. “Whispers of “are you sure”? “Never have I ever before”. También recuerda momentos que vivieron juntos con ternura, casi de una manera jocosa por la ingenuidad de ella misma durante la relación, llegando a pensar que estarían juntos para siempre y que nada ni nadie les separaría. Pero, como condenado al fracaso, todo lo que creía que duraría para siempre se convirtió en un punto en el calendario que cada vez se vuelve más y más pequeño: un recuerdo. Pero es muy bonito recordar esos momentos en los que eran jóvenes, cuando no importaba nada y toda la relación era tan intensa, cuando aun estábamos cambiando a mejor, cuando éramos adolescentes y querer era suficiente “back when we were still changin’ for the better wanting was enough for me, it was enough”. Pero pese a creer que todo iba bien y que estarían juntos para siempre, esta persona no era suya “‘Cause you were never mine”

En el final de la canción se aprecia perfectamente el reflejo de los recuerdos, estructura la canción de tal manera que hasta esta simula un recuerdo en tu cabeza. En este final se añaden distintos versos de toda la canción de manera inconexa y, al final se van escuchando pero como si fueran simplemente un eco, hasta que ya ni si quiera se escuchan, solo queda la instrumental que poco a poco se va desvaneciendo hasta que se apaga, tal y como funciona la memoria del ser humano.

August es la típica canción de la que te enamoras, desde el minuto uno. Una melodía llena de elementos románticos y que en conjunto forman una de las canciones más bonitas y sentimentales del folklore. Sigue la dinámica de las escaleras, es decir, sube y sube hasta el final. La instrumental va creciendo conforme la vas escuchando. Además, gracias al sonido del violín, August tiene ese sonido épico que hace que sea una de las que más recuerdes una vez escuchado el disco por primera vez. Es cierto que la temática está ya muy vista, un amor de verano es algo de lo que mucho artistas han hablado ya, pero sin duda, nadie lo ha hecho así. Las metáforas y los ritmos son algo totalmente diferente y que no se ha visto en muchas canciones hablando de este tema.

Una canción que suena y es “verano”. Los vocals de Taylor te transportan a esa historia e incluso se crea un ambiente muy diferente al del resto del álbum.

En el puente encontramos la subida más grande que experimenta la instrumental y no es casualidad, la letra en estos versos adquiere una importancia mucho mayor, y Taylor se encarga de dársela no solo con el mensaje sino también a través de los instrumentos.

En el Outro, es decir, la última parte de la canción, se crea otro momento único gracias a los violines y la intensidad de la batería.

Es una canción única que logra transmitir un mensaje común pero de una manera totalmente distinta al resto. En mi opinión es una de las canciones más completas del disco en cuanto a producción e instrumental. Además la letra le da ese añadido especial y se crea una maravillosa canción de desamor con la que muchos nos podemos identificar.

"August sipped away like a bottle of wine"

" 'Cause you weren't mine to lose"

9. this is me trying

Una letra que habla sobre las disculpas y en la que después de terminar una relación o tener una disputa, esta le pide perdón a la otra. En la primera estrofa narra una situación en la que una persona se disculpa por no haber podido adaptarse a esa nueva situación y se presenta en su casa para eso, pedir perdón “And maybe I don’t quite know what to say but I’m here in your doorway”. Es ya en la segunda estrofa donde se presenta el acto en sí de la narradora pidiendo perdón y asumiendo su parte errónea. Esto lo achaca a su forma de ser, a sus inseguridades, al hecho de ser una persona muy competitiva, y al miedo y temor que tiene a la crítica por parte de gente fuera de su relación. Pese a estar justificando su actuación, la canción suena muy vulnerable, sobre todo al final de la canción “At least I’m trying”. Incluso, después de toda la conversación y las disculpas, podemos escuchar como la protagonista se derrumba en un suspiro.

En esta canción la batería, un sonido trabajado proveniente de un teclado y unas cuerdas crean la instrumental en su totalidad. La voz de la cantante suena distante, como si la escucharemos en eco, como si estuviera lejos y el sonido estuviera localizado en otro sitio.

Sin duda una instrumental épica, construida para dar esa misma sensación al oyente, y mezclada con la voz de Taylor con esa edición consigue que escuchemos un sonido que casi se asemeja al que escucharíamos en un tocadiscos: lejano, con ruido y muy muy orgánico. Una canción que defiende la simplicidad. Casi no tiene edición ni producción, suena muy orgánica y como si todo estuviera siendo grabado a la vez, sin trabajos ni arreglos, y sin embargo consigue calar de la misma manera que lo hacen el resto.

"So I got wasted like all my potential"

"You're a flashback in a film reel on the one screen in my town"

10. illicit affairs

Esta canción podría formar parte del trio amoroso que nos vamos encontrando a lo largo del disco, ya que habla de encuentros furtivos, secretos y acciones a escondidas. Pero se puede entenderse de dos maneras. La primera, que trate de una relación en la que uno de ellos está siéndole infiel a su pareja (tema que iría muy ligado al triangulo amoroso entre Betty, James y la otra persona) o que bien se entienda como una relación o un amor prohibido, ya sea por temas LGTB o simplemente una mujer y un hombre que no pueden ser vistos juntos.

Aquí se narran estas acciones que se siguen a la hora de llevar una relación secreta. Decir mentiras piadosas para poder cubrir estos encuentros como por ejemplo “ Leave the perfume on the shelf that you picked out just for him so you leave no trace behind like you don’t even exist”. Sin embargo, y como contrapunto, estos amores se mueren un millón de veces porque en realidad la relación solo está viva cuando ambos están juntos. Al finalizar, cada uno vuelve a su vida y esto desaparece. Una historia que solo existe en pequeños momentos y por tanto cada vez que se separan, muere. Ellos saben que habrá un encuentro que pondrá ese punto final, esto simplemente será como “una droga que solo funcionará unas cientos de veces”.

En este caso el puente, como habitualmente, es una parte de inflexión y fundamental para el desenlace de las historias de Taylor, se supera, es posiblemente la mejor parte de la canción. “You showed me colors you know I ca’t see with anyone else” (Me mostraste colores que sabías que no podría ver con nadie más). “You taught me a secret lenguage I can’t speak with anyone else” (Me enseñaste un idioma secreto que no podía hablar con nadie más). Pero como conclusión final, la protagonista confiesa que pese a todos estos secretos, a los encuentros furtivos y las mentiras, hubiera seguido con esta historia, “and you know damn well for you, I would ruin myself a million little times” (Y sabes perfectamente que por ti me arruinaría un millón de veces).

Las guitarras crean una melodía imitando el eco de la voz, pero en este caso lo hacen con los acordes. De esta manera se crea una profundidad y una complejidad con dos guitarras que suena como si fuera mucho más lo que se está usando para la instrumental. Es a partir de la segunda estrofa cuando se añaden muchos más elementos como los coros, unos acordes de piano y un sonido casi inexistente de vientos.

Es en el puente donde todo lo anterior mencionado se intensifica y la canción cobra un rango diferente al que tenía anteriormente. Esta, al principio, parece una canción tranquila, sin muchos cambios ni estridencias en el ritmo o la melodía, pero justo cuando menos te lo esperas llega el puente.

"A drug that only worked the first few hundred times"

"Look at this idiotic fool that you made me"

"You showed me colors you know I can't see with anyone else"

11. invisible string

Invisible String se basa en la teoría asiática que defiende que las almas gemelas están unidas por un hilo desde que nacen. En esta canción Taylor dice que este hilo es invisible, pero en realidad la teoría cuenta que el hilo es rojo y que va tirando de cada una de las partes durante nuestra vida y que al final es el destino el que consigue que estas dos almas gemelas se encuentren.

La letra cuenta una historia de amor y por eso es posible que esta canción este dedicada a su novio actual, Joe Alwyn. En el primer verso habla sobre la adolescencia de ambos y lo hace de una manera muy peculiar, a través de los colores. “Green was the color of the grass where I used to read at Centennial Park” / “Teal was the color of your shirt when you where sixteen at the yogurt shop”. El color azul esta directamente relacionado con Joe a lo largo de todas sus canciones, lo vemos ya en Lover, ah anterior disco. Es más adelante donde ambas historias se conectan y es que hay un verso de la canción que dice que hubo una vez que Joe iba en un taxi y justo en ese momento sonaba la canción Bad Blood de Taylor: “Bad was the blood of the song in the cab”. También hace referencia a un viaje que, casualmente, dura tres años, al igual que su relación, y que durante este viaje hubo una camarera que le dijo que ella se parecía a una cantante americana: “Bold was the waitress on our three-year trip getting lunch down by the Lakes, She said I looked like an American singer”. Además, en esta frase también se encuentra una referencia a una de sus nuevas canciones “The Lakes”. En realidad esta canción posee muchas referencias líricas hacía su disco Reputation e incluso también a Lover, su anterior disco, ya que estos en gran parte hablaba sobre Joe Alwyn. Taylor cuenta durante la canción que gracias a este hilo de oro “One single thread of gol tied me to you” esta muy feliz con su relación ya que además de ser un hilo de oro también tiene espinas y controla a todos sus demonios “chains around my demons”. Este amor la está sanando y a su vez le hace olvidar todas las cosas malas que ocurren a su alrededor. El verso que más sentido le da a esta canción, y además es mi favorito es cuando dice: “Hell was the Journey but it brought me heaven” (El camino es un infierno pero me ha llevado al cielo). Durante toda tu vida pasas por miles de situaciones que son complicadas, duras y que destruyen, pero al final con todas estas experiencias y el aprendizaje que consigues, llegas a la felicidad.

Una canción muy intuitiva, el titulo habla de una cuerda y la instrumental esta construida a partir de cuerdas (con la ayuda de una percusión a batería muy simple que aparece y desaparece). Además si nos fijamos, en el fondo también podemos escuchar el sonido de un violín que se intensifica a partir de la segunda mitad de la canción.

Esta es una canción muy simple en cuanto a melodía, pero justamente es así porque la letra completa todo el restante de esta.

"Something wrapped all of my past mistakes in barbed wire"

"Gave me the blues and the purple-pink skies"

12. mad woman

Esta canción cuenta una historia de principio a fin, como si fuera un relato corto. Habla sobre la figura literaria de la mujer loca del ático. La novela de Charlotte Bronte titulada ‘Jane Eyre’ podría ser la fuente de inspiración para esta canción, en concreto el personaje de Bertha Mason. Taylor utiliza la figura de la ‘mujer loca’ para encarnar todos los impulsos o comportamientos que la sociedad rechaza en las mujeres, por ejemplo ser sensual, tener personalidad y defender sus opiniones… Es un pensamiento muy interiorizado en la sociedad el pensar que si una mujer se sale de los caracteres impuestos se piense que está loca. Es por esto que Taylor Swift, haciendo uso de uno de sus mayores recursos, la ironía, se apropia del termino ‘mujer loca’ y lo convierte. “No one likes a mad woman you made her like that” (a nadie le gusta una mujer loca pero vosotros la habéis hecho volverse loca). Es entonces cuantas más veces hagas referencia al termino loca, más loca me voy a volver: “Every time you call me crazy, I get more crazy”, cuanto más me digas que estoy enfadada, más enfadada voy a estar: “and when you say I seem angry, I get more angry”. Utiliza también la imagen del escorpión cuando dice “What did you think I’d say to that? Does a scorpion sting when fighting back?” Y con esto quiere decir que si tu haces daño a un escorpión ¿no crees que él te devolverá ese daño? Eso iguala el comportamiento con el suyo. ¿Crees que si te comportas mal conmigo no te lo voy a devolver al igual que el escorpión?.

En la segunda estrofa la cantante usa otro de los elementos más utilizados en contra de las mujeres: las brujas, estas se muestran como personas malignas que echan fuego por la boca, que destruyen al que pasa por delante suya. Pero justo después de esto, le da la vuelta a la referencia con la frase “and women like hunting witches too” (a las mujeres también nos gusta cazar brujas) refiriéndose así a los hombres como brujas. No somos solo las mujeres las malas, las que echamos fuego por la boca, los hombres también son brujas.

Un piano que ocupa casi el 80% de la atención en la introducción junto con unos punteos de guitarra muy complejos en el fondo. Esto se repite durante los versos pero con una intensidad menor para darle paso a la voz de Taylor. Además se añade otro elementos, un violín (como en varias canciones del disco) que se utiliza para conseguir ese aditivo épico a la canción y darle una sensación mucho más emotiva.

Es cierto que una vez que nos encontramos en la segunda parte de la canción, la identidad de los elementos aumenta y suena todo demasiado, esto puede llevar a la confusión en la primera escucha, ya que la producción de la canción está pensada de esta manera: todo suena muy confuso, casi como si estuviera mal colocado. Se están utilizando muchos elementos a la vez y esto puede dar una sensación de agobio, pero, como ya todos sabemos, Taylor no hace las cosas sin ningún motivo. Esta confusión o agobio es la misma que siente la protagonista de la historia que está contando Taylor. La desesperación de la mujer es la misma que se crea con la instrumental, la misma que escuchamos en la segunda mitad de la canción, una agonía que está totalmente justificada.

"What a shame she went mad no one likes a mad woman, you made her like that"

"Now I breathe flames each time I talk"

"I'm taking my time, taking my time, 'cause you took everything from me"

13. epiphany

Una de las canciones más bonitas y sensibles del disco, y en la que habla sobre los héroes. En el comienzo de la canción, en la primera estrofa, habla sobre la guerra inspirándose en su abuelo, cuenta lo que se siente, el miedo, las despedidas antes de marchar, los recuerdos y traumas que quedan en sus mentes una vez que termina la guerra… pero en la segunda estrofa con la misma estructura nos habla de otro tema distinto: nuestra más pura actualidad, el Coronavirus.

En la primera parte de la canción menciona como los héroes son aquellos que iban a luchar a la guerra, pero ahora los héroes son los trabajadores del personal sanitario. Una de las frases más duras en mi opinión es cuando menciona que en la carrera de medicina les enseñan como tratar los cuerpos pero, en realidad, su trabajo es mucho más que curar a una persona. Esta persona es la hija de alguien o la madre de alguien, y están viendo como muere sin poder hacer nada más. Sobre todo ahora que no podemos tocarnos, no podemos estar ahí acompañando a un enfermo, ni si quiera en sus últimos momentos. “Holds your hand through plastic now” (Ahora te cojo de las manos a través de plástico).

Sin duda, y como habitualmente hace Taylor Swift, el puente es una de las partes más importantes tanto lírica como melódica. En esta canción es precioso el mensaje: “Only twenty minutes to sleep but you dream of some epiphany. Just one single glimpse of relief to make some sense of what you’ve seen” (Solo veinte minutos para dormir pero sueñas con alguna epifanía, solo un vistazo de alivio para darle sentido a lo que has visto). Durante los primeros meses de pandemia, los sanitarios no tenían apenas tiempo para descansar, ese poco tiempo (20 minutos) tenían que utilizarlo para eso, descansar, pero en realidad no podían porque han visto tantas cosas horribles que en lo único que piensan es en encontrarle un sentido. Esperan esa espifanía, el momento en el que de pronto todo tenga sentido y volvamos a estar bien.

En esta canción la voz de Taylor es casi angelical, es muy delicada y fina. En el comienzo suena como un susurro y transmite muchísima serenidad y paz. En la segunda parte de la canción, cuando comienza a hablar del coronavirus y los sanitarios, en la instrumental se escuchan los beeps de las maquinas de los hospitales.

La canción comienza con el sonido de un órgano, unos acordes que se intensifican de manera introductora y que en el momento que comienza el primer verso se complementan con unos acordes muy simples de piano. De esta manera se crea una simulación de eco, como ya se había utilizado en canciones anteriores. Esto, pese a ser muy simple, crea una profundidad en la melodía y añade emoción. Además también se utiliza este recurso simulando el eco con las voces de Taylor, es decir, se añaden coros, creando la misma sensación que obtenemos con la instrumental. Al tratarse de ser ella la que hace sus propios coros suena como una especie de extension de si misma, un recurso que me parece precioso, y que suena muy especial en esta canción en concreto. Finalmente la canción acaba con esos beeps de las maquinas emulando un final abierto, sin un punto final, exactamente como la realidad: la pandemia aun no ha terminado.

"Only twenty minutes to sleep but you dream of some epiphany"

14. betty

Estamos ante la canción más country del disco, la que más recuerda a la antigua Taylor, a sus comienzos. Una guitarra, la armónica y ese sonido tan característico que la hizo famosa. Podríamos haber escuchado esta canción en Fearless o en su primer disco, ya que sigue la misma estructura que sus primeras canciones y, los instrumentos son los clásicos en el mundo country. La armónica y la intensidad de la guitarra construyen el 90% de la instrumental y la casi inexistente producción de la canción hacen que tome una esencia casi acústica.

Esta es la tercera canción que cierra el circulo del triangulo amoroso. Narrada por James, la persona que le puso los cuernos a Betty, que a su vez se enteró por Inez, la chica que le cuenta toda la historia a Betty. Es un dato muy curioso y totalmente provocado, viniendo de Taylor el hecho de que se llamen así, ya que las hijas de una de sus mejores amigas, la actriz Blake Lively, se llaman como los protagonistas de este triangulo. Pero las hijas de la actriz son niñas y los fans de Taylor han dicho que posiblemente se trate de un triángulo amoroso entre mujeres, pero no hay nada confirmado.

La canción comienza con James dándose cuenta de los problemas en su relación, sabe que pasa algo porque incluso Betty se ha cambiado de habitación para no verle pasar por la ventana: “Betty, I won’t make assumptions about what you switched your homeroom, but I think it’s ‘cause of me”. Es entonces cuando le confiesa que los rumores y las historias que le ha contado Inez son ciertos, y lo hace con una frase que personalmente me parece super graciosa y le da ese toque de adolescencia que posee la canción: “You heard the rumors from Inez, You can’t believe a word she says most times, but this time it was true” (Inez te ha contado rumores, normalmente no debes creerla, pero esta vez es verdad), y finalmente, antes de comenzar el estribillo, confiesa: “The worst thing that I ever did was what I did to you” (Lo peor que he hecho en mi vida fue lo que te hice a ti).

En el estribillo fantasea con presentarse en su casa y pedirle perdón con la excusa de que solo fue un rollo de verano (relacionado aquí directamente la historia con August) y con que es muy joven, solo tiene 17 años y no sabía lo que hacía. Ahora solo sabe que la echa de menos. Esto contrasta mucho con Cardigan y la version de Betty cuando dice que cuando eres joven normalmente se asume que no sabes nada pero que ella si que lo sabía todo, no era tan ingenua como decían: “ ‘Cause I knew everything when I was young”. Este contraste nos hace ver como Betty era mucho más madura que James.

En el punte de la canción se puede ver como incluso James carga toda la culpa a la tercera persona, es decir, a la amante: “I was walking home on broken cobblestones just thinking of you when she pulled up like a figment of my worst intentions she said "James, get in, let's drive” Those days turned into nights slept next to her, but I dreamt of you all summer long” James estaba pensando en Betty durante todo el verano, pero fue la otra chica la que lo impulsó a ser infiel. Esto también esta relacionado con August cuando la otra chica soñaba con que James fuera suyo pero sabía que era imposible porque él estaba pensando en Betty.

Con la magia y la sutileza que domina Taylor Swift, es capaz de crear una imagen mental en el final de la canción con la escena de James apareciendo en casa de Betty durante una fiesta. Justo como cuando en Cardigan Betty dice “sabía que ibas a venir a mi porche”. Es cuando James dice una de mis frases favoritas: “Betty, right now is the last time I can dream about what happens when you see my face” (Betty, esta será la última vez que voy a poder imaginarme lo que me vas a decir). Es en ese momento cuando James llama a la puerta y aparece Betty con un cardigan “Standing in your cardigan” pero no sabemos el final de la historia, no sabemos si volvieron o si fue la última vez que se vieron.

"You heard the rumors from Inez you can't believe a word she says most time, but this time it was true" 

"Standing in your cardigan kissing' in my car again" 

15. peace 

Un instrumental super sencillo y plano con una guitarra que repite los acordes y suena muy lineal. Comienza con un sonido neutro y repetitivo grabado a ordenador pero que cobra sentido cuando se le añade unos acordes melódicos mucho más claros y puros de guitarra eléctrica. Esto se mantendrá durante toda la canción con la única variación de la incorporación de un piano suave a partir del primer estribillo que solamente sonará en momentos puntuales en los que se necesite esa variante para la recepción del mensaje. Mantiene una estructura circular ya que acaba con el mismo sonido con el que comienza.

Peace es una canción de amor, posiblemente dedicada a Joe, en la que se muestra su realidad y su situación con la fama. “Would it be enough if I could never give you peace?” (¿Es suficiente para ti si nunca podemos estar tranquilos?). La vida de Taylor siempre ha estado y estará rodeada de dramas y paparazzis, la gente está muy pendiente de su vida y la siguen en cada paso que da (al igual que la protagonista de the last great american dynasty) por lo que nunca podrán estar relajados del todo. Sin embargo, pese a esto Taylor le dice que tendrá muchas cosas que ofrecerle a cambio “but I’m a fire and I’ll keep your brittle heart warm if your cascade, ocean wave blues come”. (Vuelve a mencionar el color azul. El color de Joe). “But I would die for you in secret” ella moriría por estar con el pese a que fuera un secreto. “Give you my wild, give you a child” Le daría un hijo y trataría a su familia como si fuera la suya propia. Está dispuesta a estar con él para siempre y le ofrece miles de cosas, lo único que no puede darle es paz.

Además hay un verso en el que podría hacer referencia a Kanye West, Kim Kardashian, Scott Borchetta y Scooter Braun: “But there’s robbers to the east, clowns to the west” (Hay ladrones en el este y payasos en el oeste). Borchetta y Braun le robaron los derechos de todos sus trabajos de ahí lo de ladrones, y lo de payasos podemos relacionarlo con Kanye y Kim porque dice West (el apellido de Kanye) y el cual además está en mayusculas en el lyric video.

“Give you the silence that only comes when two understand each other” (Te daré el silencio que solo tienen dos personas cuando se entienden)

"You paint dreamscapes on the wall"

16. hoax

Una canción muy trágica que cuenta la historia de una persona que esta muy enamorada de otra, pero se ha dado cuenta que lo que se sentía la otra persona era todo una farsa. Toda su relación estaba basada en una mentira. Presenta a esta protagonista muy enamorada pero a su vez rota. Ella intenta encontrarle un sentido y una explicación, cuando una relación se termina bruscamente por decisión de uno de ellos, la otra persona busca una razón desesperadamente. Te sientes muy engañada. “Stood on the cliffside screaming, ‘Give me a reason’ “ (Estoy en el borde del precipicio gritando ‘dame una razón’). Una de mis frases favoritas de la canción: “You knew the Hero died so what’s the movie for?” (ya sabias que el héroe de la película iba a morir, entonces ¿para que era la película?) Si ya sabía que no la quería y que todo acabaría ¿por qué empezó esta relación? Además también contextualiza la historia hablando de lo mal que lo había pasado durante otras relaciones y aun así, sabiéndolo él también, lo que le hizo fue igual o peor.

Es en uno de los versos donde la utilización del color azul (habitualmente asociado a Joe Alwyn) puede llevar a entender que esta canción podría ser por él, queriendo decir que ha sufrido una traición por su parte pero puede que, teniendo en cuenta que este disco esta basado en la invención de historias y el storytelling y la canción se llama Hoax (farsa), Taylor haya jugado con esto dandole sentido completo al concepto de farsa. Es decir, todo podría ser una imaginación como el resto del disco.

Un piano que repite los mismos acordes al que más adelante se le unirá un violín con el que mediante su sonido crudo y agudo ayudará a la recepción de esa sensación trágica que nos transmite esta canción. Sin embargo en el puente se añade el último elemento: una guitarra muy sutil, casi inexistente. Cada elemento está pensado y colocado para ejercer su función en la medida que ninguno de ellos se colapse (a diferencia de ‘mad woman’).

"Your faithless love's the only hoax I believe in"

17. the lakes (bonus track)

Esta canción hace referencia al Lake District de Reino Unido, este es conocido como el lugar más romántico en el país. La canción también hace alusión a los “Lake Poets” un grupo de poetas ingleses que vivían en este distrito de Inglaterra en la primera mitad del siglo XIX y que se consideran parte del movimiento romántico en ese genero: William Wordsworth, Samuel Taylor Coleridge y Robert Southey. Además, “The Lakes” ha sido mencionado durante el disco en la canción “invisible string” cuando dice: “Bold was the waitress on our three-year trip getting lunch down by The Lakes”. Con esta frase podemos deducir que han estado juntos visitando este lugar. También durante el estribillo se menciona Windermere Lake, este es el lago más grande de Inglaterra.

La cantante ha escogido una metáfora universal: la poesía. Esta suena preciosa pero en realidad, la mayoría de las historias contadas suelen ser tragedias.

Esta canción podría estar hablando sobre el momento exacto en el cual Kim Kardashian y ella entraron en una guerra mediática de la cual Taylor salió muy dolida e incluso destruida:

“Is it romantic how all of my elegies eulogize me? I’m not cut out for all these cynical clones. These hunters with cell phones” (¿No es romántico como me elogian todas mi elegías? No estoy hecha para todos estos clones cínicos, estos cazadores con teléfono) 

No es un secreto que la cantante lo pasó muy mal durante esos meses e incluso “desapareció” y nadie la vio en meses. Más tarde ella misma reconoció que durante esos meses comenzó una relación con su actual pareja, Joe. Es por esto que, personalmente, asocio esta canción a ese momento justo en el que Taylor encontró a Joe y lo convirtió en su refugio: “Take me to the lakes, where all the poeta went to die” (llevame a los lagos donde los poetas iban a morir), esta es una metáfora de su relación con Joe y de como él hacía que se olvidara de todo lo que estaba sucediendo en esos momentos. Los poetas iban allí a morir, a escribir versos en los que dejaban sus últimos alientos y los pensamientos que les quitaban el sueño se convertían en puras lineas de tinta. Llévame a los picos del monte Windermere que parece un lugar perfecto para llorar pero ven conmigo porque tu eres mi musa.

De hecho, en la letra podemos destacar dos partes, la primera en la que habla de este conflicto y como se siente, para luego en la segunda mitad de la canción (+ el puente que es clave) hablar sobre como comenzó su relación y desaparece con su musa (su musa es Joe): “I’m setting off, but nor without my muse”.

La introducción tiene un sonido muy clásico, como si se tratase del comienzo de una película de época. The Lakes es como escuchar una película narrada con una instrumental de fondo. Es cierto que tiene un estilo un tanto distintivo al resto, produce una sensación diferente, o por lo menos en mi opinión así lo pienso, y puede que por eso no esté en la edición estándar de folklore, pero aun así sigue manteniendo ese storytelling y la intimidad que tienen el resto de canciones.

Como instrumento principal tenemos un violín que domina la introducción y ambienta en los años 50 o incluso antes. Cuando comienza el primer verso este desaparece y se escuchan acordes de guitarra. The Lakes es una canción con una instrumental preciosa compuesta por varios instrumentos de cuerdas y viento. Además esto hace que se produzca una sensación mucho más alegre a la que recibimos con el resto del disco.

"Is it romantic how all of my elegies eulogize me?"

"Take me to the lakes, where all the poets went to die"

CONCLUSIONES

Este disco es una recopilación de relatos cortos que mezclan la realidad con la imaginación. Posiblemente el trabajo más especial y crudo de la cantante. Es cierto que este tipo de dinámicas y linea del disco no esta centrado en gustar a las masas, es mucho más selectivo y menos popular. Un disco que podría resultar largo e incluso plano para mucha gente ya que el sonido es muy indie. En mi opinión, este es el mejor disco de Taylor Swift y no solo por las letras (que son increíbles), sino por el sonido orgánico e indie que te transporta a un mundo totalmente diferente e inesperado para la cantante.

Está contando historias con música y eso añadido al sonido de su voz durante todo el álbum hace que suene más puro que cualquier otro disco de la cantante. En Folklore vemos muchas facetas y colores en su voz, la edición es mínima, no tiene casi arreglos y eso lo hace aun más crudo y purificado. Además los coros que se escuchan en varias canciones son grabaciones de ella misma con otros registros vocales, lo que hace que la profundidad de su voz se haga mucho mayor.

Un disco repleto de canciones melancólicas y letras trágicas. Folklore suena a lo que quieres escuchar cuando necesitas un hogar musical. Detrás de estas 17 canciones se encuentran 17 historias creadas por Taylor y las cuales ha decidido compartir con nosotros. Todas las letras son dignas de analizar y tomarse el tiempo para entender de que van.

De una situación de incertidumbre, cambios constantes y desolación, surge un trabajo admirable de sonoridad dulce y una inmensa calidad musical.

Escuchar a Taylor Swift es como leer un muy buen libro, y a todos nos gusta leer un buen libro. 

“Veo ‘folklore’ como algo melancólico y lleno de escapismo. Triste, hermoso, trágico. Como un álbum de fotos de imágenes y todas las historias detrás de las imágenes” - Taylor Swift

“Me inspiró la sensación de aislamiento y cómo eso puede ser liberador o aterrador y cómo te hace recordar el pasado”

Analizando 'Head over Heels' con Brandon Alexander

"Retrospectivo, nostálgico, sentimental y optimista" así define el propio artista su primer EP titulado Head Over Heels.

Brandon Alexander es un joven artista de Atlanta que comenzó en la música en 2017. He tenido la suerte de estar a su lado durante su crecimiento musical y he podido disfrutar de su música en sus primeros momentos, los cuales son fundamentales para un artista.

Ya había publicado varias canciones en las plataformas de streaming pero el pasado 26 de junio fue el día en el que su primer trabajo como cantante salió al publico. Un EP que contiene 5 canciones, una de ellas también en "Intimate versión". Pese a que algunas de ellas ya las conocíamos como adelantos, la conjunción del EP al completo nos regala una sensación muy diferente a la que sientes al escuchar las canciones por separado. Es como si al escucharlas una tras otra todo tuviera sentido.

Una autentica maravilla y un regalo para esas noches de verano al lado del mar. Una producción exquisita y muy delicada, dandole la importancia suficiente al instrumental y complementando a la perfección la voz del cantante.

Antes he dicho que he tenido la suerte de estar en los primeros pasos de Brandon Alexander, pero donde si he tenido suerte ha sido conociéndole. No solo es un buenísimo cantante y artista, sino también una bellísima persona. Así que aprovechando el lanzamiento de su primer trabajo ha accedido a concederme una "mini" entrevista para este blog.

Entrevista a Brandon Alexander

1. ¿Cuanto tiempo llevas haciendo música?

Llevo haciendo música desde hace tres años. Empecé escribiendo y desarrollando harmonias durante el verano de 2017 más o menos.

2. ¿Por qué Head Over Heels?

"Head Over Heels" es una frase de la que siempre he estado enamorado ya que es una forma sincera de amor o enamoramiento. Además, "Head Over Heels" forma parte de la letra de "Drive", una de mis primeras canciones.

3. ¿Cual es la idea principal del EP?

La idea principal del EP es que vale la pena luchar por las personas que amas hasta el final si todavía hay un destello de interés o un deseo persistente en el corazón de ambas personas.

4. ¿Cuales han sido tus influencias a la hora de crear Head Over Heels?

Las principales influencias para este EP fueron las canciones y los artistas que estaba escuchando mientras estaba enamorado y también durante la ruptura. Por ejemplo The Japanese House, LANY, The 1975 y muchos grupos alternativos de los 80 como Tears for Fears y The Human League.

5. ¿Como ha sido el proceso de composición y producción del EP?

Para la produccion de este EP trabajé con algunos amigos míos increíblemente talentosos en la música. Y en cuanto al proceso de composición, todas las canciones han sido escritas por mi y hablan sobre sentimientos y romances reales. El proceso de composición y producción comenzó conmigo grabando varias melodías y progresiones en mis notas de voz. A partir de ahí, trabajé con mi productor y le hice construir pistas usando esas progresiones y melodías con ciertos instrumentos que tenía en mente para cada canción.

6. ¿Cual ha sido la canción que más tiempo te llevó componer?

Fall Again fue la que más tiempo me llevó escribir, principalmente porque no sabía lo que estaba escribiendo. En el transcurso de cuatro meses, comencé a componer letras sobre la reconciliación de una relación, y de repente me di cuenta de que todas esas letras encajan en una canción y nació Fall Again.

7. ¿Cual es la canción más especial del EP?

Drive es definitivamente la canción más especial para mí porque fue una de las primeras canciones que escribí. Además, resalta un momento realmente hermoso de la mayoría de edad en mi vida que me encanta recordar. Es muy nostálgico.

8. ¿Qué ha sido lo más complicado a la hora de crear Head Over Heels?

Honestamente, nada fue muy complicado sobre este EP. Creo que la parte más complicada fue el período de tiempo antes de escribir todas las canciones porque no tenía ningún sentido de dirección. Pero una vez que todas estas canciones se unieron, tuve este hermoso momento en el que me di cuenta de que tenía todo un trabajo que significaba mucho para mí. Al soltarlo, me quité un gran peso de mis hombros y sentí una sensación de libertad con respecto al tema difícil que cubrí.

Análisis de Head Over Heels

1. Fall Again

La primera cancion se titula Fall Again y habla sobre ese amor que vuelve y del que no puedes olvidarte. Como pese a que pasa el tiempo, esa sensación no se desvanece y sigues estando enamorado de esa persona.

Una canción con una producción exquisita y una instrumental perfecta que acompaña la letra en todo momento de una manera sensacional. No pierdes el hilo de la historia y, pese a tratarse de un pop alternativo, Fall Again podría sonar en las radios y convertirse en un hit comercial, ya que tiene un ritmo bastante pegadizo y una letra fácil de escuchar y con la que muchos nos podemos identificar. Uno de elementos causantes de que esta canción sea tan buena es el bajo  y la profundidad que este le da a la canción. 

La versión intimate es aun mejor si es que eso es posible.

"Fall Again fue una canción que se llegó por accidente, después de que pensé que el EP había terminado. Sinceramente, recibí un FaceTime de mi ex de quien trata la mayoría de las canciones. No atendí la llamada, pensando que ella había llamado por accidente. Y luego pasé una semana considerando volver a llamarla, sabiendo que todavía estaba locamente enamorado de ella. Durante esa semana, ensayé cómo sería esa conversación, si tendría muros emocionales o me rendiría y confesaría mi amor. Básicamente, escribí Fall Again desde la perspectiva de lo que le diría a mi ex si decidiera devolverle la llamada. La noche que terminé de grabar la canción, la llamé de inmediato y nos derramamos las tripas"

2. Drive

Drive fue una de las primeras canciones que escuché del artista y, es cierto que es una canción con muchas referencias musicales y que se apoya bastante sobre sus influencias. Esta canción suena a LANY. Suena a un indie-pop muy californiano y a su vez la producción y la composición de la letra es una oda a una historia real.

La gran referencia a LANY en esta canción está en el puente, esa instrumental a teclado recuerda mucho a las partes en directo en las que Paul Klein, vocalista del grupo LANY, toca esas "improvisaciones" a teclado. Un ritmo muy parecido pero con similar intención. Personalmente, este tipo de interludios instrumentales en las canciones me parecen una gran propuesta y que deja a vista de todos la calidad musical del artista. (En este caso, espectacular)

Por su parte la letra habla sobre una historia de amor en la cual hasta los pequeños detalles, como conducir, se vuelven parte fundamental de la relación.

"Drive es la primera canción que escribí. En el verano de 2017 tuve una experiencia de mayoría de edad en la que me mudé por todo el país y finalmente establecí un grupo sólido de amigos y me enamoré de la chica perfecta. Cuando las cosas entre ella y yo llegaban a su fin, quería una forma de mirar positivamente ese hermoso momento de mi vida. Así que escribí drive sobre cómo se sienten los sábados por la noche con la persona perfecta, haciendo las cosas más simples como conducir y aún estar tan enamorado de la presencia de esa persona"

3. Hopes Up

El comienzo de esta canción nos traslada otra vez a ese mundo indie-pop alternativo en el un buen sonido sintetizado y modulado se convierte en la base fundamental y primordial de la canción. Se podría decir que es la canción más rítmica del EP, pero aun así sigue manteniendo esa linea narrativa de amor/desamor.

He de admitir que el EP al completo tiene un gran trabajo de producción y creación, pero está canción es perfecta para escuchar con auriculares y apreciar cada uno de los elementos y como entre ellos están montados de tal manera que no interfieren los unos con los otros. Los sonidos son claros y justos para conseguir un sonido uniforme que acompaña a la perfección esta letra.

Esta es ese tipo de canciones que cuanto más las escuchas, más te gustan.

"Hopes Up se trata de sentirse decepcionado y enojarse contigo mismo sin ver todas las señales antes de que sea demasiado tarde. Por lo tanto, es un poco conflictivo, y es como llamar a la persona de interés por perder mi tiempo y tomar lo mejor de mí en vano"

La canción, como dice el propio Brandon Alexander, es un conflicto y musicalmente eso te da una gran amplitud a la hora de componer. En esta canción se puede escuchar como la letra casi camina sola, es por la gran facilidad creada a partir del conflicto y también se debe a la gran calidad de la instrumental.

4. Better

Sin ninguna duda, Better es una canción en la que se aprecia la gran calidad musical del artista. Una instrumental tan poderosa casi como la letra y el mensaje que da. Los "vocals" son el gran elemento que hace de esta una de las mejores canciones del artista.

Pese a tratarse de una canción instrumentalmente hablando más lineal, no llega el momento en el que te aburra o canse, porque ve elevando poco a poco hasta llegar al puente/segundo estribillo en el que el instrumental se adueña de la canción.

El final de esta canción utiliza una de las mejores herramientas para esto, la extensión y transición de la instrumental, es decir, dejar que suene un poco más sin necesidad de añadir letra y voz e intentar que se aguante hasta la siguiente canción. Algo que personalmente me parece una gran estrategia musical en un disco cronológico o que por lo menos tiene un tema en común, como es este caso.

"Better es una canción de empoderamiento que desea lo mejor para alguien que realmente no se lo merece. Mi intención era mostrar que hay poder en perder, y seguir siendo la persona más importante al respecto, independientemente de lo mal que se haya hecho"

5. I Saw Our City Without You

El día en el que Brandon Alexander publicó Head Over Heels me preguntó que canción era mi favorita y pensé que era Fall Again, pero antes de contestarle volví a escuchar I Saw Our City Without You e inmediatamente le escribí que era esta canción.

Sin duda la canción más completa del EP, una letra emotiva y con la que fácilmente cualquier persona nos podemos sentir identificados.

Cada elemento suma a la canción, la voz emite esa sensibilidad que es capaz de ponerte la piel de gallina, la estructura circular de la propia canción (empieza igual que acaba pero bajando poco a poco el volumen), una instrumental llena de detalles, un sintetizador que crea un ambiente único, los silencios justo antes de los estribillos, una parte narrada a mitad de la canción... Todo tiene un sentido y utilizado correctamente hacen de esta una gran canción.

La letra habla sobre el recuerdo que tienes sobre cosas tan personales y básicas como la ciudad en la que viviste con tu pareja, o donde la conociste, la música que escuchabais juntos, la comida que solíais comer... Una nostalgia que nace de un sentimiento. 

"I Saw Our City Without You se trata de la nostalgia que puede atormentarte cuando te despiertas en un entorno que alguna vez representó amor y esperanza con una persona que ya no es parte de tu vida. A veces puedes sentir nostalgia en tu propia casa cuando esa persona se fue, y solo quería hacer una pista que comunique cómo se siente ese vacío"

Un EP que cuenta historias, que disfrutas de principio a fin y que, sobre todo, transmite un sentimiento de nostalgia que te acompaña hasta el ultimo acorde.

Una recomendación al 100%

Aquí os dejo Fall Again (Intimate Version)